Palhacinho do Demo

The Mute Orchestra (2011)

2011-05-01T15:11:00.000-07:00

O capitulo da Mute Orchestra está encerrado. Fica aqui o album duplo da Mute Orchestra é só clicarem na imagem.

Remember Traxx ? (2011)

2011-04-20T01:13:00.000-07:00

Uma homenagem á editora discográfica Traxx Records, pioneira na música electrónica norte americana (para "obter" é clicarem na foto). Segue-se a reedição do album duplo da mute orchestra com cerca de 30 faixas.

Albuns do Ano

2010-12-27T08:15:00.001-08:00

Aqui ficam as nossas escolhas para discos do ano 2010, sem nenhuma ordem em especial:

Jamie Lidell - Compass

The Roots - How I Got Over

John Legend & The Roots — Wake Up!

Lindstrøm & Christabelle - Real Life Is No Cool
James Blake - James Blake

Carlos do Carmo & Bernardo Sassetti

The American (2010)

2010-11-11T00:26:00.000-08:00

Num ano em que as grandes surpresas cinematográficas têm sido difinitivamente guardadas para o fim, eis que nos chega um pequeno "G"rande filme chamado The American.

Desde John Ford, o anti-herói do cinema americano consiste num protagonista parco em palavras, sombrio, misterioso e que, embora pareça agir com boas intenções, é sempre de moral duvidosa, uma vez que esse anti-heroi é simultâneamente um matador. O veneradíssimo cineasta italiano Sérgio Leone é citado em The American, isto porque foi talvez ele o criador da concepção mais mítica do anti-herói através da personagem do "homem sem nome", interpretado pelo impassível Clint Eastwood.
Em The American, o assassino solitário interpretado pelo genial "George-vai ser nomeado ao Oscar-Clooney" também não tem nome e identidade definida, por vezes é chamado de Jack, ou também Edward. Diz-se movido por boas causas, mas sabe que Deus não se importa com ele. Se o anti-herói tradicional se mantém na zona cinzenta entre o bem e o mal, logo na abertura do filme na sequência pré-genérico, Jack/Clooney choca-nos com o seu lado maligno e perverso. Após o prólogo, o arrependimento acompanhará o personagem durante toda a sua nova missão. Estamos perante um thriller soberbo, a fazer lembrar alguns grandes filmes de Jean Pierre Melville (Le Cercle Rouge), mas também nos é contada uma história de redenção e de uma culpa, que contamina Jack/Edward como se de um vírus se tratasse. Nesta perspectiva pesa a importância de personagens do filme, como um padre e uma prostituta, através das quais Jack/Edward tentará lidar com os seus sentimentos.

O realizador Anton Corbijn, responsável pelo inferior Control (2007), prima por uma composição económica e precisa, com um ritmo que toma o seu tempo sem grandes pressas e aproveitando a luz natural da paisagem bucólica da região montanhosa italiana de Abruzzo. Corbijn minimiza os diálogos e busca o mais no menos de cada personagem. As perseguições e tiroteios estão longe de um inspirado John Woo, reduzindo-se à essência de cada cena e qual a importância da acção para servir a história.

Homenagem sentida a Sergio Leone, suspense digno de John Frankenheimer, fotografia pastel e soturna à Michelangelo Antonioni e uma atmosfera sofisticada e cool à altura de Jean-Pierre Melville, The American é a par com Social Network, um dos grandes filmes do ano, nós diriamos mesmo que lhe é superior e será sem dúvida alguma um dos grandes filmes de culto da década. E sim! Clooney é assombroso no filme.

The Social Network (2010)

2010-11-02T12:58:00.000-07:00

The Social Network não é um filme sobre geeks, não é um filme sobre código, algorítmos ou mesmo génios informáticos. The Social Network é um filme (supostamente) acerca da persona conturbada de Mark Zuckerberg.

Confessamos que conheciamos muito pouco acerca da história da génese do Facebook e quando descobrimos que o genial David Fincher estaria encarregue de transpor o feito para o grande ecrã, mais curiosos ficamos. Mas afinal o que é que esta história teria de tão interessante para que o obsessivo Fincher abraçasse o projecto? Pois bem, o projecto avançou e temos um grande filme baseado ou não em factos veridicos e aqui Zuckerberg já veio desmentir parte dos acontecimentos, ou pelo menos a forma como é retratado no filme. Mas e se de facto o que vemos no ecrã é algo próximo da realidade? E se...? A ser verdade os factos que nos são relatados estamos perante uma utupia absolutamente fascinante, isto porque Mark Zuckerberg é retratado como uma pessoa profundamente egocêntrica, narcísista, com uma incapacidade vincada em estabelecer e manter relações interpessoais e sobretudo uma pessoa profundamente solitária. A ser verdade tudo isto então partimos de uma permissa interessantíssima, em que a pessoa responsável pela criação de uma das maiores e mais bem sucedidas redes socias é uma pessoa com uma profunda incapacidade em se relacionar no real com o outro, ou seja estamos perante uma aplicação do seu modelo relacional ao nível do contexto de uma rede social de nome Facebook. No Facebook existe uma superficialidade ao nível da relação com o outro. Ok! descobrimos os colegas de escola que não viamos á dezenas de anos, descobrimos os colegas de trabalho com os quais perdemos contacto, dizemos "Olá tudo bem há quanto tempo!" mas a maioria destes contactos não passam da virtualidade do ecrã e este já era o mundo em que Mark Z. vivia antes da crianção do Facebook. Um mundo em que a única forma que encontra de dizer o que sente á ex-namorada não é dizê-lo face a face, como ela tem a coragem de o fazer, mas sim de escrever no seu blog (pré-facebook).

The Social Network é sobretudo uma história sobre a alienação do social, daqueles que o rodeiam, mesmo os mais próximos, do corrompimento das relações e da promíscuidade das mesmas. E no final o nosso herói acaba sozinho numa sala com o seu laptop como companhia e a adicionar uma pessoa como amiga no seu facebook...e constantemente a fazer "refresh" na esperança que a pessoa (realmente importante para ele) o aceite como "amigo".

Estamos perante mais um triunfo de David Fincher, mas também ao nível do argumento, fotografia e música esta a cargo de Trent Reznor (Nine Inch Nails). Recomenda-se vivamente.

The Disappearance of Alice Creed (2010)

2010-10-11T08:25:00.000-07:00

The Disappearance of Alice Creed apanhou o universo do cinema britânico completamente desprevenido, não só pelo brilhantismo do argumento e uma inspiradíssima direcção de actores, mas sobretudo por uma actriz chamada Gemma Arterton. Curiosamente Gemma inicia a sua carreira como bond girl em Quantum Solace e recentemente passou por Prince Of Persia e Clash of The Titans, mas é sem dúvida em Alice Creed que ela demonstra excelentes potencialidades dramáticas.
O filme conta a história de um rapto, passando-se todo o desenrolar de acontecimentos entre quatro paredes, num ambiente opressivo, cláustrofóbico e ameaçador, sendo a sequência inicial do filme a dar a tonalidade e pondo logo as cartas em cima da mesa para que não haja dúvidas do que nos espera ao longo de hora e meia. Dois homens numa loja compram corda, pás, material de construção, de seguida somos empurrados para uma casa onde abunda a luz, mas que rapidamente começa a desvanecer á medida que os dois homens tapam janelas e forram as paredes com material isolante. A casa transform-se perante os nossos olhos num bunker, onde não há janelas e as portas estão "forradas" a cadeados e ferrolhos. Uma mulher é raptada, posta dentro de uma carrinha e levada para a dita casa, onde é amarrada a uma cama para logo de seguida os dois homens lhe cortarem e tirarem toda a ropa que trás vestida. A mulher agora despida é fotografada com um jornal, é amordaçada e deixada assim em cima da cama.
Caros Leitores é aqui que vos dizemos: "Endireitem as cadeiras e apertem os cintos de segurança" porque estamos perante um twist de argumento em cada esquina, onde este é sobretudo um filme de aparências e o final....ah! o final é qualquer coisa de sublime! Estamos a ver a história de uma mulher que é raptada ou outra coisa?
É sem dúvida uma das grandes surpresas do ano, um filme que muito provavelmente nunca irá estrear nas nossas salas de cinema e irá directamente para mercado de dvd (se é que já não foi).

Férias

2010-09-10T11:33:00.000-07:00

Dracula - Prince of Darkness (1966)

2010-09-08T08:43:00.000-07:00

Dracula - Prince of Darkness foi o terceiro filme de série produzido pela Hammer, que totalizou oito filmes.

O filme possui todos os elementos típicos dos melhores e mais interessantes filmes dos anos 60 da Hammer, não faltando os típicos aldeões nada hospitaleiros mas muito supersticiosos, uma floresta negra, um castelo imponente de arquitetura gótica, vitimas mais curiosas que inteligentes e um destemido caçador de vampiros, desta vez na figura de um monge que mais parece um mercenário.

A Dracula - Prince of Darkness também foram atríbuidos vários outros nomes alternativos, como "Disciple of Dracula", "Revenge of Dracula", "The Bloody Scream of Dracula" e "Dracula 3". Este último nome foi criado em função de ser o terceiro filme da série com o vampiro Drácula da Hammer, precedido por Horror of Dracula (1958) e de The Brides of Dracula (1960), e sucedido por mais cinco filmes, Dracula Has Risen From the Grave (1968), Taste the Blood of Dracula (1970), Scars of Dracula (1970), Dracula AD (1972) e The Satanic Rites of Dracula (1973). Em todos os filmes o papel do temível vampiro ficou a cargo do fantástico Christopher Lee, com excepção de The Brides of Dracula, onde o papel ficou a cargo de David Peel.

Um dos aspectos curiosos do filme foi o facto de Cristopher Lee não ter gostado do guião escrito por Jimmy Sangster, a partir de uma história do produtor Anthony Hinds. Tanto que para evitar a possibilidade de uma repercussão insatisfatória do seu personagem no publico em geral, viria a pedir que a sua participação fosse absolutamente muda, ou seja, o vampiro não diz uma única palavra no filme inteiro e somente entra em cena após quase cinquenta minutos de filme. Um outro facto curioso foi que para economizar nos custos de produção, a Hammer filmou o filme em simultaneo com Rasputin: The Mad Monk, utilizando os mesmos cenários e o elenco principal: Christopher Lee, Barbara Shelley, Suzan Farmer e Francis Matthews.

The Nanny (1965)

2010-08-25T10:05:00.000-07:00

Esta semana continuamos á descoberta dos filmes da Hammer Studios, contidos na Ultimate Collectors Box Edition e diga-se de passagem que dos dois já visionados, nenhum caiu em saco roto. Tivemos o assombroso The Devil Rides Out e a grandiosa surpresa chamada The Nanny.

The Nanny (1965) é uma adaptação do livro escrito por Marryam Modell e foi realizado por Seth Holt. Este foi o primeiro de dois filmes que a fabulosa Bette Davis viria a fazer com a lendário estúdio inglês Hammer, mais conhecido por clássicos de série B. O segundo filme de Bette Davis com o estúdio foi The Anniversary (1968).

Mesmo tendo sido lançado após o sucesso de Hush... Hush... Sweet Charlotte (1964), Bette Davis já estava numa fase de declínio onde os papéis que lhe eram atríbuidos já não eram tão bons e as suas participações, segundo dizem, eram aceites pelo número de cenas em que aparecia e não pela importância da personagem interpretada. Mas mesmo assim, o profissionalismo e a técnica da actriz eram irrepreensíveis e mais que suficientes para elevar a qualidade de qualquer produção desse mesmo período. The Nanny (1965) tinha tudo para ser um filme tipico de série B, mas a representação de Bette Davis, principalmente quando junto com William Dix, transformam as cenas num drama psicológico de uma tensão assoladora.

A história conta que depois de passar dois anos num colégio interno/reformatório devido a um acidente em que supostamente afogou a sua irmã menor na banheira, Joey de 10 anos (William Dix), volta para casa e o que os seus pais, Virginia e Bill querem é o regresso á normalidade no seio familiar. No entanto, pouco tempo depois, suspeitas ressurgem novamente em volta do pequeno Joey, quando a sua mãe é envenenada, mas Joey insiste que teria sido a Ama (Bette Davis) a responsável, uma senhora amável que trabalhara há anos para a família e que teria sido também a Ama da mãe dos menores.

Sem ninguém que acredite nele, Joey vê a sua Ama como outra pessoa, como alguém que ele também acredita ser a responsável pela morte da sua irmã.

A gestão da tensão, imbutida pelo brilhante argumento, é algo de fabuloso e anos de luz á frente do que era feito até então dentro do género e atrevemo-nos mesmo a dizer que mesmo vendo hoje o filme pela primeira vez, 45 anos depois, este continua a ser algo de absolutamente supreendente. Nunca sabemos até ao final se estamos perante ideações paranóides ou ideias persecutórias por parte da criança, ou se na realidade a Ama é o mal personificado.

Enormissimo aplauso em pé para Bette Davis, para um jovem actor de nome William Dix e para o realizador Seth Holt. Imperdível

Black Swan (2010)

2010-08-20T01:52:00.001-07:00

A tripulação de bordo pede aos passageiros que endireitem as cadeiras, apertem os cintos, recolham os tabuleiros porque a viagem irá ser atribulada, muitos poços de ar, percas de pressão, voos razantes e turbulencia.

O novo filme de Daren Aronofsky estreia em breve e já anda a ser elevado a filme de culto. Descubram-no.

The Devil Rides Out (1968)

2010-08-18T07:03:00.000-07:00

The Devil Rides Out, também conhecido como The Devil's Bride, foi um dos grandes sucessos dos estúdios Hammer, baseado no best seller de Dennis Wheatley de 1934. O argumento do filme, dirigido pelo mestre Terence Fisher, é uma adaptação bastante fiél ao livro, com as filmagens a terem o seu inicio nos estúdios a 7 de Agosto de 1967. A rodagem do filme durou cerca de um mês e chegou aos EUA com o título "The Devil's Bride" a 18 de dezembro de 1968.
Terence Fisher conseguiu com este seu filme uma fotografia extremamente apurada, uma excelente direcção de arte, uma atenção ao detalhe bastante acima da média do que era então produzido e sobretudo a grande mais valia é sem dúvida o grande Christopher Lee, inclusivé o filme foi feito porque Lee foi o grande impulsionador da idéia de passar para a tela a obra de Dennis Wheatley.
Ainda nos dias de hoje, sempre que Christopher Lee fala sobre o seu periodo na Hammer, considera este filme o seu favorito e declarou por diversas vezes de que gostaria de ver um remake da produção com ele mesmo no papel de um Duc de Richleau (personagem interpretada por Lee no filme), mas mais maduro.

The Hammer Collection Boxset (1960-1970)

2010-08-17T06:43:00.000-07:00

Os estudios Hammer nasceram em 1948 e foram fundados por Will Hammer e Sir John Carreras, dentro da lógica de que os filmes de terror fantástico deveriam ser de entretenimento, contando uma boa história. Esta lógica seria defendida por Carreras e quase que referendada por Hammer. Apesar dos orçamentos baixos, o estúdio lançou filmes dentro dos típicos padrões de Hollywood dos anos 50, mas assumindo uma tradição que vinha do teatro inglês e francês, principalmente com base no Théâtre Grand Guignol, de Paris.

No entanto, viria a ser a televisão quem, indirectamente, faria com que os Hammer Studios tivesse os seus primeiro sucessos. A televisão britanica produziu na década de 50 uma série de ficção-científica chamado The Quatermass Experiment, baseada no personagem Bernard Quatermass, ciêntista que enviara um foguete para o espaço e quando este regressou, trouxe uma forma de vida alienígena que tomou conta do corpo do astronauta enviado para comandar a missão. A Hammer fez um versão cinematográfica da série, The Quatermass Xperiment, em 1955, logo seguido de sequelas: X the Unknown, de 1956; Quatermass II, de 1957. O sucesso destes filmes e dos monstros alienígenas que eles apresentavam estimulou o estúdio a investir no cinema fantástico/horror/sci fi. Um dos acontecimentos que jogaria a favor da explosão da Hammer foi o facto da Universal Pictures estar a abrandar a sua produção de filmes de terror, dando a oportunidade á Hammer em fazer um acordo com o estúdio norte-americano conseguindo os direitos de Frankenstein e Drácula. Para grande surpresa surpresa dos mundo do cinema e da própria Hammer, o filme The Course of Frankenstein (dirigido por Terence Fisher, com guião de Jimmy Sangster e com participações de dois actores até então desconhecidos Peter Cushing e Christopher Lee) tornou-se um inusitado sucesso de bilheterias. Filmado em Technicolor, o filme mostrou o personagem de Mary Shelley como nunca tinha sido visto até então: com cores e bastante violência. Os Est+udios Hammer utilizavam praticamente sempre a mesma equipa técnica e de actores, filmavam vários filmes em simultaneo e de uma destas produções (junto com a Universal, que, além de financiar metade do filme, fazia a distribuição internacional) nasce o filme Horror of Dracula, fazendo um sucesso ainda maior do que seu antecessor e imortalizou Christopher Lee como o segundo grande Drácula do cinema (o primeiro tinha sido o eterno Bela Lugosi). A partir destes dois filmes, a Hammer nunca mais parou de produzir e fazer sucesso. Com histórias simples, aproveitando-se da imagem popular dos personagens de terror, usando habilmente as cores e o sexo (as mulheres eram escolhidas pela sua beleza, sensualidade e seios grandes, sendo que quase sempre eram vestidas com roupas de decotes bastante generosos). Christopher Lee faria várias vezes o personagem Drácula e Peter Cushing seria conhecido como o seu eterno nemesis - Van Helsing.

A Hammer Collection Boxset é uma edição em DVD absolutamente fabulosa. Contém cerca de 21 DVD, nos quais estão armazenados os 21 clássicos dos estúdios Hammer, com uma mão cheia de extras (documentários/trailers/comentários aúdio), fazendo-se menção honrosa ao filme The Nanny, disponível pela primeira vez em formato digital. A box contém: 'Blood From The Mummies Tomb', 'Demons Of The Mind', 'The Devil Rides Out', 'Viking Queen', 'Dracula, Prince Of Darkness', 'Fear In The Night', 'Frankenstein Created Women', 'The Horror Of Frankenstein', 'The Nanny', 'One Million Years BC', 'The Plague Of The Zombies', 'Prehistoric Women', 'Quartermass And The Pit', 'Rasputin The Mad Monk', 'The Reptile', 'The Scars Of Dracula', 'SHE', 'To The Devil A Daughter', 'The Vengeance Of SHE', 'Straight On Till Morning' and 'The Witches'. Absolutamente imperdível.

A primeira crítica de uma série que iremos fazer, será do filme The Devil Rides Out (1968), também conhecido por The Devil's Bride.

Christine (1983)

2010-08-12T11:59:00.000-07:00

Nasceu em Detroit - esta é talvez a melhor forma de descrever o ínicio de um dos grandes filmes de John Carpenter, adaptado de uma obra de Stephen King. Forjado numa linha de montagem de automóveis. Mas não é um carro qualquer. No interior do seu chassi esconde-se o próprio diabo. Christine - um Playmouth Fury de 1958 -, vermelho e branco, tem um insaciável desejo de vingança, capaz de gelar o sangue a qualquer um e de destruir todo aquele que se mete no seu caminho. Seduz Arnie Cunningham (Keith Gordon ), um rapaz de 17 anos, apaixonado por aquelas linhas estilizadas e curvilíneas, como se de uma mulher se tratasse. O automóvel exige uma devoção absoluta e incondicional, e se alguém tentar intervir, a morte é certa.

O cinema a partir de meados da década de 70 começou a ser invadido com filmes que visavam um filão recém-descoberto que renderia muito dinheiro às produtoras: o público adolescente. Histórias sempre de jovens banais, com problemas "banais" em situações completamente "banais" era o que se tinha de sobra. Esse padrão era quase constante, com pouquíssimas exceções de filmes adolescentes que mantinham um certo rigor tanto no argumento, como na direção.

Christine tem a direção do grande John Carpenter que mais uma vez brilha, ditando um ritmo claustrofóbico e proporcionando uma mão cheia de enquadramentos genias (ah! aquele widescreen fabuloso)

Para muitas pessoas na faixa dos trinta anos este é mais um filme de referência, simbolizando a sua própria adolescência e uma geração, mas este é também uma das poucas adaptações da obra de S. King (contam-se pelos dedos de uma mão) que realmente funciona de forma soberba.

É um filme para recordar e para descobrir sem restrições algumas.

Galaxy Of Terror (1981)

2010-07-27T12:08:00.000-07:00

Se é para escrever de cinema Sci-Fi trash de "boa qualidade" não vamos mais longe, porque estamos a falar de Galaxy of Terror produzido pelo grande Roger Corman.Galaxy of Terror (1981) é uma produção de Roger Corman que tentou na época apanhar o comboio do filme Alien (1979), de Ridley Scott. Também há referências a diversos outros filmes do género ao longo dos seus oitenta-divertidos gorentos- minutos, com bons momentos de gore do melhor que os Z-Movies nos podem dar. A película foi dirigida por D. B. Clark, senhor que hoje faz parte da equipa de produção de um senhor chamado James Cameron (Avatar).
A História é passada num futuro distante, nas profundezas insólitas do espaço sideral, em que a nave espacial Quest parte em missão de resgate de sobreviventes de uma outra nave, a Remus (epa! isto soa-nos a...Alien), que ficara encalhada no sinistro planeta Morganthus, mas eis que qual não é o azar dos nossos protagonistas quando dão de caras com uma orde de alienígenas ávidos de sangue do pior, que por sua vez habitam uma espécie de pirâmide gigante no meio do planeta (muito bom!). Os nossos protagonistas, num acesso de parvoice e estúpidez (até parece que não vêm filmes!), decidem ficar e investigar o planeta e seus "alegres" habitantes. Roger Corman presenteia-nos com outra mistura bizarra entre ficção científica e terror, que ficou também conhecida como Mindwarp: an Infinity of Terror ou Planet of Horrors (brutal!). Esta modesta fita apresenta alguns dos cenários campy mais bizarros já vistos, com uma profusão de cores de fazer provocar convolsões em qualquer epilético e misturando-se com uma fotografia meio obscura, provocando um contraste por vezes bastante...bizarro!O inicio do filme tenta criar uma atmosfera meio mística que acaba por perder toda a importância no decorrer da história, com a "gorisse" a entrar sempre a abrir, sem dó nem piedade. A estética campy do filme faz-nos lembrar vagamente O Planeta dos Vampiros (1965), fantástica película de Mario Bava, com referências a outro clássico absoluto dos anos 50: Planeta Proibido (1956), de Fred M. Wilcox. O elenco é uma sucessão de rostos desconhecidos, exceto um: Robert Englund, que alguns anos mais tarde ficaria famoso ao encarnar Freddy Krueger.

Para ajudar á festa a Shout! Factory lançou uma edição em Blue-Ray do filme pejadíssima de extras, como se tivessemos perante o Senhor dos Aneís, vá-se lá saber porquê.

Extras:
• Commentary track with actress Taaffe O'Connell, Make-up artists Allan Apone, Alec Gillis and production assistant David DeCoteau

• Tales From the Lumber Yard: The Making of Galaxy of Terror (1:02:54 in HD!)• New Worlds: Producer Roger Corman, screenwriter Marc Siegler and director Bruce D. Clark discuss the origins of the film

• The Crew Of The Quest: Actors Robert Englund, Sid Haig, Taaffe O Connell and Grace Zabriskie discuss their experiences as crew members of the Quest

• Planet Of Horrors: A detailed look into the creation of the memorable sets of the film and alien landscapes • Future King: Memories of co-production designer (and future visionary filmmaker) James Cameron from members of the cast and crew

• Old School: A journey into the complicated mechanical and makeup effects with artists Allan A. Apone, Douglas J. White, Alec Gillis and others

• Launch Sequence: Co-editor R.J. Kizer walks us through postproduction and a profile on composer Barry Schrader

• Theatrical Trailers

• Extensive Photo Galleries Including Posters, Production Sketches And Designs

• Theatrical Trailer With Commentary From Writer/Director Joel Olsen, Courtesy Of Trailersfromhell.com

• Script in PDF format

• Notes inside case from Jovanka Vuckovic

este texto cagou no acordo ortográfico

In The Mood For Love (2000)

2010-07-26T11:17:00.001-07:00

Na ausência de um novo grande filme de Wong Kar-Wai? Escrevemos acerca do irrepreensível e perfeito In The Mood For Love (2000).

O realizador Wong Kar-Wai estabeleceu-se como um cineasta autor. Através da cor e da luminosidade constrói toda uma narrativa baseada nos simbolismos que daí advêm criando o seu próprio estilo. Cada cena é meticulosamente ensaiada e posteriormente filmada de forma a obter exactamente aquilo que visualmente pretende. É um daqueles cineastas perfeccionistas que assumem o cinema como forma de arte, mas que paradoxalmente dá aos actores uma grande margem de manobra ao improviso.

Baseado nesta premissa, poderia ser apenas mais um filme romântico. No entanto, as interpretações, as situações vividas e os pequenos detalhes desenrolam a narrativa duma forma única e visualmente cativante. Wong Kar-Wai cria um mundo visual onde cada frame corresponde a uma fotografia de uma beleza rara. É um filme que vive sobretudo da insinuação em detrimento da concretização. Há um enorme amor entre os personagens principais, Lin e Chow, fortíssimo mesmo, mas em última análise impossível de concretizar.

As performances dos dois actores são sublimes, sendo capazes de transmitir uma sensualidade e desejo quase cerebrais, fruto de uma relação platónica, baseada na sugestão. Apesar dos protagonistas falarem muito pouco em cada cena, conseguem transmitir ao espectador a crescente paixão e emoção entre eles, cada vez que aparecem juntos no écrân.
A estética do filme é desenvolvida através do uso extremo da luz e cor, tendo, portanto, a música um papel preponderante, na criação do ambiente. Com poucos diálogos e uma montagem quase marginal, Wong Kar-Wai repete alguns temas musicais, em determinadas cenas, para enfatizar o estado emocional dos protagonistas e suportar a bela fotografia.
Realizado a partir de um argumento quase inexistente e privilegiando a improvisação, “In the mood for love” é considerado por muitos como a obra-prima do realizador de Hong-Kong. Poderá, no entanto, ser um filme de difícil visualização, uma vez que é único na abordagem artística que faz ao género romance, tantas vezes destruído pelos clichés lamechas dos homónimos americanos do género. Para ser visto com disposição e atenção.

The Ghost Writer (2010)

2010-07-26T09:01:00.000-07:00

Apostamos que estava tudo á espera da crítica a Inception de Chris Nolan? Pois bem, não iremos tecer nenhum ensaio acerca do filme de Christopher Nolan, mas simplesmente escrever: "Obra Prima" e sim "é substâncialmente um degrau acima de Dark Knight". É simplesmente um filme...não! É simplesmente "O" filme, do qual saimos de boca aberta feitos parvos e do qual seria absurdo escrever. Como é que se escreve sobre algo "indescritivel"? A resposta é nada escrever e simplesmente pedir que o vão ver.

Depois deste descargo de consciência, vamos ao filme que nos trouxe aqui hoje. Ghost Writer ou o Escritor Fantasma, como preferirem, é o último filme de Roman Polanski e caros leitores é um regresso em cheio para o realizador.

Numa era em que somos constantemente bombardeados com os efeitos especiais de última geração, com a moda do 3D (mas afinal vamos ao cinema para ver cinema ou para ver - "olhem o que conseguimos fazer com as nossas camaras xpto...o filme é uma bosta, mas tem grandes Fx e 3D"?) e com todos os super-herois da banda desenhada a ganharem vida, inclusivé aqueles que estavam no fundo do baú (Quanto mais a Marvel poderá raspar o fundo ao tacho?); eis que nos chega um filme que não tem nada disto. Em Ghost Writer não há cá 3D, nem efeitos digitais de encher o olho, mas sim um elenco de bons actores de fazer inveja á maior parte dos blockbusters de verão.

Ghost Writer não é só o regresso de Polanski ao thriller, mas sim um grande grande grande filme. É um suspense político recheado de traições e mistério. Ewan McGregor é o personagem título, contractado para continuar a escrever as memórias de Adam Lang (Pierce Brosnan), um ex primeiro ministro britânico, após a misteriosa morte do seu outro escritor fantasma. Quando o político é acusado do envolvimento com crimes de guerra, o trabalho, que já era perigoso, passa a tomar enormes e perigosas proporções, a ponto de colocar a vida de ambos em risco.

Se tivessemos de dar nota 10 a algum filme esta semana, esse seria Ghost Writer. Já Inception de Chris Nolan iria para uma nota 11 de 0-10 (exacto!).

Esta crítica foi escrita a cagar no acordo ortográfico

Seir presents The Mute Orchestra (2010)

2010-07-22T11:57:00.001-07:00

O novo album do nosso artista electrónico de serviço. É só clicar na imagem.

The A Team (2010)

2010-07-20T12:06:00.000-07:00

Depois de algumas semanas de iato e sejamos honestos, também alguma falta de tempo para escrevermos sobre cinema, eis que lá vimos qualquer coisa que nos deu vontade de escrever.

The A Team, Soldados da Fortuna para a geração que se recorda da série de TV, é o novo filme de Joe Carnahan, responsável pelo "Grande" Narc (2002) e pelo treslocado Smokin' Aces (2006) e é a adaptação para a grande tela da já referida série de TV.

As críticas são muitas, algumas positivas outras tantas acentuadamente negativas, mas vamos por pontos: 1º estamos perante o típico blockbuster de verão, sem grandes pretensões a não ser proporcionar 1h40m de pura diversão sem deixar grande espaço para reflexões; 2º é um filme "absolutamente" alucinado, não tão genial como Smokin' Aces, mas com uma grande dose de humor de diálogo e físico; 3º as sequências de acção não são de todo para levar a sério e funcionam assumidamente como "gozo" puro, onde é evidente que algúem se divertiu imenso a rodar o filme; 4º o casting está na mouche numa altura em que raros são os casos em que os estúdios apostam em grandes vedetas, salvando a excepção do sr. Liam Neeson no papel de Hannibal; 5º o argumento vai de "A" a "B" sem grandes surpresas, mas com muita maluqueira e parvalheira pelo meio...e sim não é Shakespeare...se quisermos uma comparação é a antítese do novo filme de Polanski; 6º as guide lines da história original e dos seus personagens está lá, desde o medo de andar de avião de BA, apesar de que esperavamos uma maior dose de "loucura" na personagem de Murdock; 7º O filme conta a história de como os nossos heróis se tornaram as personagens que conhecemos e nos recordamos da série original.

Sem grande floriados e sem uma grande cereja em cima do bolo, estamos perante um eficaz filme de verão, que só pretende ser isso mesmo, um "deixem o cérebro á porta e venham divertir-se connosco" e é isso que se exige de um filme de verão. Sem grandes instrospecções, algo que muito provavelmente esta semana não se irá sentir quando virmos o muito aguardado e filme de culto automático Inception de Christopher Nolan.

Seir presents The Mute Orchestra (coming soon)

2010-07-12T12:34:00.000-07:00

Coming Soon (Julho 2010)

2010-07-06T08:10:00.000-07:00

True legend (2010)

2010-06-09T11:59:00.000-07:00

Chama-se True legend e é o novo opus do cinema de acção de hong kong, na sua vertente wuxia, pela mão do conceituado coreógrafo e realizador Woo-ping Yuen. Para quem tem estado nos últimos 10 anos em estado comatoso, Woo Ping é o senhor de idade, com passado em ballet clássico e artes marcias, sendo o crânio responsável pelo design das cenas de acção da trilogia Matrix.

True legend não é a maior obra prima do mundo, está longe de ser um grande filme, mas o objectivo não é esse, mas sim um pavonear de estilo e coreografias anti-gravitacionais absolutamente fabulosas, como só o mestre sabe encenar. E se há uma coisa que Ping sabe fazer na perfeição é o bailado mortal dos corpos, sublime, cheio de pormenores, com um sentido de ritmo impar, de nos fazer cortar a respiração e de ficarmos agarrados ao sofá por cada levitação que vemos no ecrã.

A obra de Ping atrás das câmaras, mais precisamente na cadeira do realizador, não é Shakespeare, mas a arte que imprime nos movimentos e na autêntica dança que imprime aos corpos é sem dúvida um trabalho impar no mundo do cinema só comparada a outro Woo de nome John.

Woo-ping Yuen usa a artilharia toda neste seu filme, contando com um bom naipe de actores, de onde se destaca a fabulosa Michelle Yeoh, há muito ausente das telas. Recomenda-se para os amantes do desafio á gravidade.

Jamie Lidell - Compass (2010)

2010-05-27T01:09:00.001-07:00

Conhcemos Jamie Lidell há já bastante tempo, desde os primordios em que fazia techno e electrónica pura e dura com projectos como Supercollider, mas eis que do nada, sem esperar grande novidade, Jamie lança o primeiro album a solo, estavamos então em 2006. E que estrondo! Esperavamos mais do mesmo pum-se-pum, mas puxaram-nos o tapete e caimos ao chão desamparados quando nos apercebemos que estavamos perante um dos mais originais e inventivos albuns de soul e funk.

Damos um salto de cinco anos, com um segundo album menos interessante pelo meio e eis que nos chega o terceiro album de Lidell; e se á terceira vez costuma ser de vez, JL acertou em cheio. Se tivessemos que escolher dois discos para levar para uma ilha deserta, seriam "Bodily Functions" de Matthew Herbert e este "Compass" de Jamie Lidell.

A nova soul não é Byonce, Rihanna's, Usher e outros tantos iguais. A nova soul é Compass, o novo funk é Compass, é um dos discos mais surpreendentes dos últimos 10 anos, não só ao nível da voz inconfundivel de JL, que tem a voz branca mais preta do mundo, mas também ao nível de produção. E na produção caiu-nos tudo...Esqueçam tudo o que ouviram até hoje, deitem as regras pela janela fora, porque a cada audição vão descobrir coisas novas. É um disco de um músico em estado de graça e em estado de arte, só é pena que ainda não esteja em nenhum cartaz de verão ou com concertos agendados para Portugal.

Deixamos um video de ensaio de uma actuação ao vivo e garantimo-vos que irão ficar de boca aberta.

Lili's Soulphiction (2010)

2010-05-26T08:07:00.001-07:00

Esta foi talvez a faixa mais complicada alguma vez feita pelo nosso artista electrónico de serviço. É uma harmoniosa caldeirada dos mais diversos estilos, que vão desde a soul, rn'b, house, tech-house, minimal, etc. Tudo! Sintetiza tudo o que poderão ouvir no album. Para ouvirem, já sabem, basta clicar na foto.

A próxima aventura, segundo nos consta, será a última música a ser postada aqui antes do post do disco, anda já com o título provisório de "Skin" e em três palavras define-se: breakbeat, jazz, soul, rn'b e...rock progressivo. Exacto!

Coming Soon

2010-05-24T11:17:00.000-07:00

Com a missão incunbida de regressar ás origens, inspirado pelo funk, soul, house, breakbeat, rn'b, hip hop, hip house e afins, está para breve a nova incursão musical do nosso artista electrónico de serviço. Até lá fiquem com o myspace.

Detective Dee and the Mystery of the Phantom Flame (2010)

2010-05-17T00:44:00.000-07:00

Detective Dee and the Mystery of the Phantom Flame é "O" filme mais badalada no continente asiático este ano. Ainda em fase de pós produção, este é sem dúvida o regresso em grande para Tsui Hark, e o filme asiático a ter em conta este ano.

Higher Learning (1995)

2010-05-13T09:44:00.000-07:00

John Singleton foi o nome a reter no inicio dos anos 90, com um pequeno grande filme chamado Boyz in the Hood, o qual foi nomeado para o Oscar de melhor realizador em 1991. O realizador renovou e ressuscitou o cinema negro, que até á data se circunscrevia a dois géneros: o blackxploitation nos anos 70 e as comédias no final dos anos 80 com Eddie Murphy's e outros tantos. Com Boyz in the Hood, Singleton apresenta uma abordagem aos problemas sociais dos afro-americanos da classe média-baixa, fazendo um retrato bastante realista do que era viver nos subúrbios de L.A., contanto a história de um pai que tenta dar a melhor educação ao filho no meio de um bairro problemático controlado por gangs.

Cerca de quatro anos depois, com um par de filmes desinspirados pelo meio, Singleton volta á carga, desta feita com Higher Learning; a acção passa-se na Universidade de Columbus em Nova Iorque, e narra o dia-a-dia de três protagonistas, três caloiros: Malik Williams (um atleta negro, que quer fazer o que acha ser correcto para se afirmar como cidadão num país que considera racista), Kristen Connor (a típica girl next door provinda do interior americano) e Remy (com dificuldades em se relacionar com os outros e que acaba por se envolver com um grupo neo-nazi). Singleton adopta aqui uma postura biográfica, procurou retratar a sua época universitária (em UCLA), os conflictos raciais entre os alunos, a dificuldade de se relacionar com os outros, etc. E conduz um enredo com mestria, deixando tudo acontecer a seu tempo.

Não estamos perante um filme panfletário, como muitos afirmam, mas sim um retrato da juventude americana, como um todo, sem puxar para o lado dos negros ou dos brancos, dos heterossexuais ou dos homossexuais, das mulheres ou dos homens. Mostra a ignorância de ambos os lados dessa suposta “guerra racial e ideológica” e demonstrando que ambas as partes parecem não saber contra o que lutam.

Não estamos perante uma obra prima, nessa perspectiva Boyz in the Hood conseguiu ir muito mais longe, mas estamos sim perante um filme feito de forma extremamente competente, com algumas boas interpretações, uma história bem contada e com um naipe de actores que mais tarde (hoje!) são sobejamente conhecidos e que estariam em inicio de carreira em Higher Learning. Recomenda-se.

Coming Soon (2010)

2010-05-05T08:57:00.000-07:00

The Stuntman (1980)

2010-05-03T08:16:00.000-07:00

Cameron é um fugitivo da polícia, que acidentalmente causa a morte de um duplo de cinema durante as rodagens de um filme. Eli Cross (magistralmente interpretado por Peter O'Toole) é o realizador do filme que ao se aperceber que Cameron anda fugido á justiça, diz ás autoridades que este faz parte da equipa de filmagens. Em troca exige que este trabalhe como o duplo que morreu em cenas cada vez mais arriscadas, fazendo-o pensar na possibilidade de poder morrer durante as filmagens a fazer algo completamente impossível.

Existem múltiplas leituras e formas de se apreciar este filme. Como um filme sobre os bastidores do cinema, inclui-se na categoria do filme dentro do filme. Como um filme de arte é uma obra que, justamente, mereceu três nomeações aos Óscares, inclusive de Peter O'Toole como melhor actor (perdeu para Robert de Niro, em "O Touro Enraivecido") e a Richard Rush como melhor realizador.Mas é como filme fábula, de autor, artisticamente irrepreensível, quase surrealista em alguns momentos, com nítidos e claros elementos em comum com o clássico de Fellini - Oito e Meio (1963), que The Stuntman é referenciado pela critica como um dos filmes mais fascinantes e simplesmente perfeito da sua década.

The Stuntman prova que mesmo nos Estados Unidos, filmes que ousam utilizar uma linguagem menos convencional e se propõem a tocar o dedo em certas feridas e temas perigosos acabam por ser penalizados, como foi o seu caso, realizado em 1979, por um produtor independente - Melvim Simon, permaneceu meses nas prateleiras, sem obter um lançamento digno da sua importância. O seu realizador, Richard Rush, chegou a sofrer um enfarte de tanta preocupação com o filme e o próprio actor Peter O'Toole teve que utilizar a sua fama e prestígio para quebrar a barreira de silêncio que se impôs a respeito desta obra. Finalmente lançado nas salas, "The Stunt Man" obteve um grande acolhimento da crítica e concorreu aos Óscares de 1981, com 3 nomeações.

A obra de Richard Rush é sem dúvida um de poucos filmes a abordar a temática da "paranóia" de forma exemplar (atrevemo-nos mesmo a dizer "de forma perfeita"), a par com outros poucos tais como: Repulsa (Roman Polanski) e O Jogo (David Fincher).

The Stuntman tem uma atmosfera onírica extremamente bem conseguida, um sentido de ritmo assustadoramente apurado, um argumento brilhantemente bem escrito, um excelente naipe de actores, uma banda sonora "brutal" e aqui chamamos a vossa atenção para o fabuloso genérico inicial do filme, com o tema principal da banda sonora, que muito dificilmente poderão dizer que desconhecem.

Caros leitores, se o objectivo é ver cinema com "C" grande do final da década de 70, as escolhas são efectivamente poucas e The Stuntman está no topo da lista.

My Definition (2010)

2010-04-26T00:54:00.000-07:00

My Definition é uma viagem ás origens da house music e é o primeiro cheirinho para o disco "Riot".

My Definition (2010)

2010-04-23T12:18:00.000-07:00

Nordwand (2010)

2010-04-16T10:59:00.000-07:00

Philipp Stölzl é a next big thing do cinema alemão. Directamente da nova geração de realizadores de video-clips e publicidade, responsável pelos videos "Du Hast" e "Du Riechst So Gut 98" dos Rammstein, Stölzl foi o responsável pela "bomba" chamada Nordwand (North Face). Vamos escrever outra vez em caps lock - Nordwand=BOMBA.

Assim que recuperarmos vamos escrever sobre esta coisa.

Robogeisha (2010)

2010-04-15T11:29:00.000-07:00

Que escrever acerca de Noboru Iguchi? Que escrever acerca do seu útimo filme - Robogeisha? Confessamos que estavamos bastante contentinhos com a possibilidade de voltar a escrever sobre cinema trash, mas depois de visionarmos este tão ansiado Robogeisha, que teve direito a um trailer fabuloso que por si só já é um acontecimento, confessamos que ficamos com um gosto amargo de boca. Não é que o filme, dentro do género seja mau de todo, pois até é suficientemente estúpido, absurdo e over the top para ser um verdadeiro cine trash; mas a realidade é que fica aquém das expectativas. Assim, onde o filme anteriour de Noboru Iguchi - Machinegirl - reinava de forma soberbamente inventiva, com uma série de momentos gore inacreditáveis e um plot ao estilo do melhor revenge movie xunga, este Robogeisha peca por um argumento bastante mais pobre (se é que isso é possível), tem de facto um par de sequências bem boladas, inventivas e divertidas, de onde se ressalva o ataque do edíficio assassino e destruir uma cidade, onde os prédios se esvaiem em sangue (sim leram bem! esvaiem-se em sangue literalmente).

O que fica é sem dúvida uma permissa parva e digna do melhor cine xunga - uma geisha robot com muitos gadgets a la Inspecteur Gadget que servem um único propósito: para chacinar tudo o que lhe aparece á frente. O resto é demasiado redutor e insipido para termos "um grande mau filme", não chegando este a ser tão mau que até é bom.

Pois bem, para quem procura "bom" cinema trash este não será o filme a ver, deixamo-vos antes o conselho do demo para darem uma vista de olhos a Machinegirl (bem melhor...ou talvez não...ou seja, se souberem ao que vão ficarão satisfeitos).

The Girl Who Played with Fire (2010)

2010-04-05T11:51:00.001-07:00

Como um realizador faz claramente a diferença! Este poderia ser o título do post referente ao segundo tomo da trilogia Millenium da autoria de Stieg Larsson e que não seria um título totalmente injusto.

The Girl Who Played with Fire sofre claramente de um problema de ritmo, de uma tentativa extremada de condensar uma obra literária em 2 horas de filme, o que conduz a uma fragmentação narrativa mais do que evidente. É verdade que existe um cuidado em estabelecer uma ponte do primeiro filme para este, mas também é verdade que estamos a falar de duas histórias independetes, apesar dos pontos de contacto estabelecidos em função das personagens.

O problema não está na história que teria pano para mangas nas mãos de um competente realizador; o problema está sim na edição (claramente na mesa de montagem se faz um filme), na direcção de actores (onde a primeiro filme demonstra a sua garra, este fica bastante aquém do desejado) e numa fotografia que comparativamente com o primeiro tomo é deveras atroz.

É suposto estas coisas serem ao contrário, é suposto haver um crescente de sequela para sequela, é suposto os problemas típicos do cinema americano não acontecerem no europeu, mas também é verdade que a partir da estreia do primeiro filme, muito cedo os produtores perceberam que estavam perante uma máquina de fazer diheiro e o resultado foi um filme rápido e ás três pancadas. E depressa e bem não há quem!

The Girl With The Dragon Tattoo (2010)

2010-04-01T11:30:00.000-07:00

Stieg Larsson pôs meio mundo do circuito literário ao rubro com a sua trilogia Millenium e depois morreu em 2004! A trilogia literária vendeu cerca de 12 milhões de livros no ano de 2009, tendo sido quase impossivel não ter visto os seus livros espalhados por tudo o que era sítio, livrarias, supermercados, fnac's e afins. A milhas de distância de Dan Brown, Larsson é um daqueles raros casos de um escritor que suscitou um autêntico hype mediático, sem ter escrito absolutamente nada de controverso que alimenta-se uma bem oleada campanha de marketing que "fez" o que é hoje Dan Brown.

Pois bem, quando temos um best seller geralmente acabamos por vir a ter um filme, neste caso três, para ver se se consegue fazer render melhor o "peixe". Só que neste caso a "coisa" saiu bem melhor do que se estaria á espera, aliás corrigimos - "bastante bem melhor mesmo" - ao ponto de estarmos a falar de um excelente thriller, com sentido de estética apuradíssimo, uma fotografia exemplar sem ser mágnifica, um ritmo muito bem conseguido mesmo e uma adaptação, que segundo quem sabe, está do mais fiel possível á obra de Larsson. Com a mais valia de estarmos a falar de um filme sueco e como é lógico falado em sueco, facto que para aqueles mais ariscos a ver filmes que não sejam falados em inglês (claramente não é o nosso caso) não deverá ser uma justificação para passar ao lado desta obra.

O filme conta com sólidas representações, com especial foco para Noomi Rapace, simplesmente "brutal", sendo daqueles personagens á beira do abismo do over acting e do kitch (só pelo guarda roupa), mas que em momento algum se deixa cair nele. E como diz um grande realizador chamado John Woo - "os grandes autores e interpretes são aqueles que conseguem estar perto do abismo do rídiculo sem nunca cairem nele".

Ok! Não é uma obra prima, mas é um dos thrillers mais competentes e entusiasmantes que vimos nos últimos tempos.

Para breve "postaremos" a crítica ao segundo filme da trilogia já na calha para ver - "The Girl Who Played With Fire"

The Expendables (2010)

2010-03-19T10:57:00.001-07:00

A Cross The Universe (2009)

2010-03-11T09:42:00.001-08:00

Bem...como é que vamos fazer isto! Pela primeira vez estamos um bocado sem "piu"! É não sabermos o que vamos escrever, pondo em palavras a "psicose" e a delinquência que é Across The Universe! Mas vamos lá por partes porque ainda ninguém percebeu sobre o que é que estamos a escrever.

Em primeiro lugar os Justice são um duo francês de música electrónica, sendo também o porta estandarte do som da Ed Banger (editora que os lançou) e os percurssores do novo french sound. O som dos Justice é inconfundivel, não havendo provavelmente ninguém que ainda não tenha ouvido o single D.A.N.C.E. do seu primeiro e único album - Cross.

Pois bem, "Justice A Cross The Universe" é o documentário da digressão por terras do tio Sam; e caros leitores ou os rapazinhos não batem bem ou isto é tudo uma encenação a la Andy Kaufman. Passamos a explicar da forma mais directa que sabemos: 1º assim que chegam aos EUA a primeira coisa que o tour manager da banda faz é comprar uma arma; 2º os Justice andam sempre alterados por consumos etílicos ou tóxicos; 3º entre os concertos as festas são constantes e a destruição é massissa por onde passam; 4º arranjam tempo para estarem com o vocalista dos Red Hot Chili Peppers e cantam-lhe o Under the Bridge de forma péssima deixando-o atónito; 5º regam as groupies com vodka e chegam a puxar-lhes fogo (sim! aqui não há cá encenação it's all true); 6º partem garrafas na cabeça de fãs agressivos e 7º o documentário acaba com a banda e o tour manager a irem presos por agressão e vandalismo.

Caros leitores estas palavras bastam para perceberem que acabamos de abrir uma nova secção aqui no palhacinho - "Documentário do C*****". È brutal do princípio ao fim, não só para os fãs dos Justice (como nós), mas também para quem não sabe nada da banda, pois esta pérola vale por si. E mesmo que não tivessemos gostado iriamos sem dúvida alguma dizer bem do filme, com medo que eles apareçam por aí para nos dar porrada ;-)

Edge Of Darkness (2010)

2010-03-05T10:10:00.000-08:00

Thomas Craven (Mel Gibson) é um veterano da Brigada de Homicídios da Polícia de Boston, e pai solteiro. Quando Emma (Bojana Novakovic), a sua única filha, de 24 anos, é assassinada nas escadas da sua casa, toda a gente assume que era ele o alvo a abater. Mas Thomas rapidamente suspeita do contrário, embarcando na missão de descobrir a vida secreta da sua filha e porque foi morta. A sua investigação leva-o ao perigoso e elusivo mundo das grandes corporações, dos conluios com o governo e do crime. E a um sombrio operacional do governo, Darius Jedburgh (Ray Winstone), que foi mandado para apagar as pistas. A solitária busca de respostas de Craven em relação à morte da filha transforma-se numa odisseia de descoberta emocional e de redenção.

Vamos já por tudo em pratos limpos! Edge of Darkness vai directamente para a secção "filmes do c****", tem um Mel Gibson em regime de abstinência dos Épicos que tem realizado e que regressa aqui ao papel de actor num filme de Martin Campbell (Casino Royale), demonstrando uma sobriedade e contenção extremamente competentes.

Campbell presenteia-nos com um thriller, com soslaios de film noir e uma estética típica do Polar (género cinematográfico francês, que surgiu a seguir á corrente novelle vague, e que retrata maioritáriamente histórias de policias). E caros leitores este filme é um prato cheio de suspense e acção doseadamente pura e dura, sem piroetas e ballet, e que recria a série de tv britânica homónima.

Sem mais palavreado, nós aqui no palhacinho adoramos Edge of Darkness, por ser um thriller á margem do que é feito em Hollywood, por ser um filme rodado nos States com dinheirinho europeu (kudos á BBC Films) e por assumir uma estética thrilleira que muito presamos, onde o tempo toma o seu tempo (redundância estúpida, mas eficaz!). Imperdível!

The Girl With The Dragon Tatto (2009)

2010-02-23T00:10:00.000-08:00

The Girl With The Dragon Tatto é a adaptação cinematográfica do livro homónimo de Stieg Larssons, que para quem andou a dormir ou em estado comatoso, é a primeira parte de uma trilogia literária já concluida denominada Millenium. Estes livros têm sido a perdição de muito boa gente, que não embarcaram na febre Twilight e que precisam de algo bastante mais substancial e refinado, apesar das obras de Larssons não meterem vampiros ao barulho, mas sim são obras bastante alicerçadas no real.

Andamos doidos para ver esta primeira adaptação do livro de Stieg Larssons, que ao que sabemos está mesmo muito boa. Assim que o visionemos iremos colocar a crítica aqui.

The Road (2009)

2010-02-22T11:30:00.000-08:00

Vamos já directos ao assunto. Sim é verdade que o filme The Road se baseia num livro conhecidíssimo e bestseller! Sim também é verdade que tem no seu elenco um ilustre Viggo Mortensen e uma ilustre Charlize Theron! E com tudo isto será que gostamos da referida obra? A resposta é um contundente e telegráfico NÃO.

A primeira coisa que é importante a ter em conta é que nós aqui no palhacinho somos sobejamente conhecidos por sermos resistentes á mais vil e violência cinematográfica, seja ela física ou psicológica, basta referir que adoramos o filme Audition de Miike e outros tantos. Então qual é o problema? O problema surge na forma de uma pergunta "Haverá filme mais depressivo e mórbido á face da Terra?", bem a reposta é um novo contundente e definitivo "NÃO".

Com isto queremos dizer que o filme The Road é abominável, insuportavelmente deprimente, de uma morbidez atroz, apesar do excelente desempenho do senhor Viggo Mortensen. No entanto, acreditamos que haja muito boas almas que irão gostar deste filme de ficção científica, com pontos de contacto com Os Filhos do Homem, mas a milhas de distância desse grande filme de verdadeira ficção científica.

Quando acabamos de visionar o filme The Road sentimo-nos completamente deprimidos, como que se um tanque do exército russo tivesse passado por cima de nós. É verdade pode ser um coisa pessoal face ao filme, mas não serão todas as críticas...pessoais?

Centurion (2010)

2010-02-15T11:39:00.000-08:00

Directamente para a secção "fasten your seatbelt", eis que nos chega o muito aguardado último filme daquele que já é apelidade como o herdeiro de John Carpenter.

Depois de nos ter presenteado com o fabuloso Doomsday, o realizador Neil Marshall (The Descent, Dog Soldiers) prepara-se para lançar a nova bomba atómica denominada Centurion. O teaser já anda por aí e caros leitores espera-se o melhor definitivamente.

Bronx Tale (1993)

2010-02-15T11:11:00.000-08:00

Bronx Tale é a primeira aventura na cadeira do realizador para Robert De Niro, que infelizmente passou algo despercebido do público, aquando da sua estreia, tendo ido directamente para o circuíto de aluger.

A história situa-se á volta de Calogero Anello, uma criança italiana que vive no Bronx com a sua família. Ele vive com os seus pais, sendo o pai interpretado por DeNiro que é um motorista de autocarro honesto, que nunca se meteu em maus caminhos. No entanto, o ídolo de Calogero é Sonny (Chazz Palminteri, também autor da história e da peça de teatro homónima), o mafioso lá do bairro. O pequeno protagonista sonha em ser Sonny quando crescer. Num dia, sentado na escada da sua casa, a criança presencia o assassinato de um homem que lutava por um lugar de estacionamento. O assassino foi Sonny. Pouco depois, a polícia chega ao local e pede para Calogero dizer quem foi o culpado. Ele delata ninguém, e Sonny acaba criando um laço de amizade forte com o rapaz.

Ao som de uma banda sonora pautada pelas mais belas músicas dos anos 60 e pelo funk dos anos 70, Bronx Tale vai beber a sua inspiração a um outro que Robert DeNiro acabara de fazer 3 anos antes - Goodfellas. Bronx tale é bastante mais suavizado, sem recorrer á violência operática de Scorcese. O filme de DeNiro é antes de mais uma obra que se centra na dinâmica da relação pai e filho, aborda de forma inteligente os aspectos da adolescência, dos seus perigos e sobretudo do que é crescer num bairro problemático.

Esta é daquelas obras que fica no nosso coração depois de a vermos, toncando-nos profundamante, sem deixar de ser divertida, inteligente e sem nunca cair no risco eminente da lamechisse que espreita a toda a esquina. Estamos perante um clássico, realizado por um grande actor, que revela um então promissor realizador, mas que infelizmente se tem abstido de continuar a desempenhar esse papel.

Taking Woodstock (2009)

2010-02-08T11:52:00.000-08:00

Se houve filme este ano que nos tocou profundamente no coração, ele foi o filme de Ang Lee - Taking Woodstock. E caros leitores que filme! Para não haver dúvidas, este é para nós sem dúvida absolutamente nenhuma um dos filmes do ano e que curiosamente não passou pela lista de nomeados para os Oscares 2009. É efectivamente mais uma injustiça, se pensarmos que no rol dos nomeados se encontra filmes como District 9, que é um excelente filme, mas sejamos realistas não merece tanto.

Com Taking Woodstock, Ang Lee (Brokeback Mountain, O Tigre e o Dragão, Tempestade de Gelo e Ride With The Devil) prova mais uma vez que é "O" cineasta que melhor nos consegue contar episódios da história dos EUA, mesmo não sendo de nacionalidade americana. Este é um dos factos que é mais fascinante na obra de Lee, que em filmes como Ride With The Devil nos conta um pedaço da história da guerra civil norte americana de forma soberba, assim como em A Tempestade de Gelo nos traça um quadro exímio da revolução sexual dos anos 70 nos EUA. Ang Lee é sem dúvida um dos maiores contadores da História anglo saxónica, sem curiosamente ser um americano de gema. E porque é que o consegue? Pela simples razão de estarmos perante um autor de sensiblidade genuína e apurada, que goza de um distânciamento crítico face ao país, o que lhe permite narrar autênticos contos de forma subtil como só um asiático o poderia conseguir.

Taking Woodstock é antes de mais uma fábula sobre o episódio que antecedeu ao concerto mítico de Woodstock, é uma espécie de falso documentário contado de forma leve, divertida e retirando representações enebriantes por parte do naipe de actores. E aqui fazemos um parentises para falar de uma senhora chamada Imelda Staunton, agora a braços com o novo Harry Potter, e que desempanha um papel simplesmente genial digno de nomeação para melhor actriz secundária.

Pensamos contudo que o filme de Ang Lee não foi este ano "bafejado" pela sorte do Oscar, por já ter sido presenteado á relativamente pouco tempo com os prémios atríbuidos a Brokeback Mountain.

É fantástico ver um realizador a vencer a máquina de Hoollywood, mesmo tendo sido apanhado com um menos conseguido Hulk, e a fazer os filmes que obviamente quer, juntamente com o seu amigo de longa data, produtor de todos os seus filmes e argumentista James Schamus, autor deste argumento absolutamente "brutal". Se há filme do ano para o palhacinho, este estaria no topo da lista. Imperdível.

Harry Brown (2009)

2010-02-06T10:43:00.000-08:00

No filme “Harry Brown”, um viúvo idoso ex-oficial da marinha procura vingar o assassinato do seu melhor amigo distribuindo a sua própria forma de justiça. O filme que tem como protagonista o actor Michael Caine, está a ser descrito pela crítica como um “western moderno e urbano”. “Harry Brown” devolve o actor às fitas sobre o crime, género que lhe deu alguns dos seus papéis mais célebres.

Se houve injustiça este ano na nomeação para o Oscar de melhor actor, esta foi a ausência flagrante de Michael Caine. Em Harry Brown o actor tem um dos papeis da sua vida, num filme que tem passado algo despercebido do grande público, mas que a crítica tem aclamado e aplaudido insistentemente, no entanto por ser um filme independente a sua projecção esteve de alguma forma circunscrita a festivais e ao seu país de origem o Reino Unido.

Caine é magistral desde o ínicio com a sua contenção soberba, que aos poucos e poucos vai mostrando um lado cada vez mais sombrio de um personagem que é o herdeiro directo de um outro filme chamado Get Carter, onde novamente Michael Caine foi brilhante. Um dos trunfos inegáveis de Harry Brown é o contraste entre o personagem de Caine, calmo e pacato e o mundo de extrema violência onde este coabita.

Harry Brown é um filme duro, com um murro no estômago a cada esquina, uma viagem ao inferno do submundo do crime londrino, onde o mais inesperado é o anti-herói reformado e abatido de Caine, que progressivamente vai respondendo de forma cada vez mais violenta e agressiva ao mundo opressivo onde vive. Simplesmente mágnifico, não se perdoando a ausência de Michael Caine no rol dos nomeados a melhor actor.

Nomeados para os Oscares

2010-02-02T11:03:00.000-08:00

Melhor Filme

Avatar

The Blind Side

District 9

An Education

The Hurt Locker

Inglourious Basterds

Precious

A Serious Man

Up Up in the Air

Actriz Secundária

Penelope Cruz, Nine

Vera Farmiga, Up in the Air

Maggie Gyllenhaal, Crazy Heart

Anna Kendrick, Up in the Air

Mo’Nique, Precious

Actor Secundário

Matt Damon, Invictus

Woody Harrelson, The Messenger

Christopher Plummer, The Last Station

Stanley Tucci, The Lovely Bones

Christoph Waltz, Inglourious Basterds

Actriz

Sandra Bullock, The Blind Side

Helen Mirren, The Last Station

Carey Mulligan, An Education

Gabby Sidibe, Precious

Meryl Streep, Julie & Julia

Actor

Jeff Bridges, Crazy Heart

George Clooney, Up in the Air

Colin Firth, A Single Man

Morgan Freeman, Invictus

Jeremy Renner, The Hurt Locker

Realizador

James Cameron, Avatar

Kathryn Bigelow, The Hurt Locker

Quentin Tarantino, Inglourious Basterds

Lee Daniels, Precious

Jason Reitman, Up in the Air

Argumento Original

Hurt Locker, Mark Boal

Inglourious Basterds, Quentin Tarantino

The Messenger, Alessandro Camon e Oren Moverman

A Serious Man, Joel Coen e Ethan Coen

Up, Bob Peterson, Pete Docter, História por Pete Docter, Bob Peterson e Tom McCarthy

The Lovely Bones (2009)

2010-01-25T01:36:00.000-08:00

Directamente da fornada de filmes a fazer-se ao piso ao Oscar chega-nos o filme de Peter Jackson - The Lovely Bones. Depois de um espalhanço ao comprido que foi King Kong, ainda embalado pelo épico Senhor dos Aneis, Peter Jackson regressa a um formato mais dramático que muito nos agrada e que nos faz recordar o primeiro filme que vimos do senhor - o impressionante Heavenly Creatures, que contava na altura com uma desconhecidíssima Kate Winslet no papel principlal.

The Lovely Bones é antes de mais uma história dramática simples, contada de forma inteligente, e transformada num thriller/drama/sobrenatural/fantástico. Confusos? Na realidade não é caso para tanto, pois o filme de Jackson é uma obra coesa, sem ser brilhante, com especial referência ás sequências oníricas da protagonista, onde pauta o brilhantismo absoluto da Weta Digital, com um naipe de actores bastante interessante (Mark Wahlberg, Stanley Tucci, Rachel Weisz, Susan Sarandon) e uma excelente aposta na jovem Saoirse Ronan no papel principal.

Pois bem, Mr. Jackson sai absolvido, depois do crime cometido contra King Kong e traz-nos um novo filme que longe de ser perfeito é um esforço conseguido na arte do "less is more", depois dos anos de consumo de épicos na veia. Com esta enxurrada de metáforas deixemos claro que este Lovely Bones é um filme bom, mas vindo de quem vem podia ser um bocadito melhor, sendo que dentro do género o seu Heavenly Creatures continua a ser algo de muito mais refinado. Outros tempos, outras liberdades, que o comércio hoje não permite!

Vengeance (2009)

2010-01-08T10:16:00.000-08:00

Mais do que qualquer outro dos seus filmes recentes Vengeance representa tudo o que é o cinema de Johnnie To. E o que é ele? É simplesmente o cineasta mais importante do cinema contemporâneo de Hong Kong. O filme não tem a leveza do fantástico Sparrow, nem o olhar apurado de Election 1 e 2, mas tem a energia cinética de Exiled e o experimentalismo de Mad Detective. Em Vengeance há um pouco de todas as imagens de marca do realizador, assumindo-se como um best of catártico dos seus temas predilectos, uma mais que evidente homenagem a Jean Pierre Melville com muitas evocações de Le Cercle Rouge.
A dedicação autoral de To presenteia-nos com uma história que só poderia sair da sua mente - um homem com uma bala na cabeça aos poucos perde a memória, com a missão de se vingar daqueles que mataram a sua família, mas como poderá ele concluir o seu porjecto existencial se a qualquer momento poderá não se recordar da missão que tem pela frente? Podemos dizer que tudo em Vengeance é icónico, a começar pelo uso do cantor francês Johnny Holyday no papel principal, o heroic bloodshed, o peso da palavra empenhada, a engenhosidade das cenas de acção, onde temos "A" cena do ano que é um tiroteiro ao luar (imperdível). Vengeance é sobretudo um filme sobre filmes, uma prodigiosa auto-citação, um elegante plágio do cinema do próprio Johnny To. E quando é que sabemos que um realizador de cinema é soberbo? Quando este tem o descaramento de se auto plagiar e safar-se prodigiosamente com isso. Para nós o filme de To encontra-se na lista do que melhor se fez em 2009. Palmas para o mágico!

The Box (2009)

2009-12-28T11:00:00.000-08:00

Vamos por partes caros leitores: 1º The Box é o regresso de Richard Kelly, realizador do magistral Donnie Darko (já sentimos as orelhas a arder) e do desastre que foi The Southland Tales; 2º The Box é uma aproximação a um cinema mais comercial; 3º The Box é um filme de culto imediato e é um dos grandes filmes de ficção científica/fantástico/thriller do ano (e pronto lá estão as orelhas a arder). Pelo que já perceberam este é daqueles filmes que ou se ama ou se odeia profundamente, como todos os filmes de Richard Kelly; e isto porque Kelly é antes de mais um autor e como todos os autores - faz cinema de autor - e isso irrita muito boa gente. As marcas de autor do cinema de Kelly são bem patentes, por um lado há um complexo cruzamento de géneros cinematográficos; por outro lado, cada vez que vemos um filme de Kelly ficamos com a sensação de que são levantadas questões e mais questões, sendo o espectador convidado a participar no jogo de decifrar enésimos enigmas que vão pautando os seus argumentos; e por fim temos um realizador com uma capacidade impar de fazer "filmes estranhos" (não existe mesmo outra forma de o descrever).

O trunfo de The Box está no seu engenhoso argumento, está no facto de ser uma adaptação de um episódio da Twilight Zone e de se basear na Experiência de Milgram, que foi uma das mais famosas experiencias na área da psicologia, conduzida pelo Professor Stanley Milgram da universidade de Yale. The Box é um grande regresso para Richard Kelly que consegue criar um autêntico efeito "matrioska", fazendo com que o espectador esteja constantemente á procura da solução do problema, quando esta poderá não existir, ou pelo menos da forma como pensamos. Confusos? Então vejam o filme sem restrições e se não gostarem paciência, porque ficou tudo maluco com isto aqui no palhacinho.

Top 5 Movies do Mês

2009-12-20T10:13:00.001-08:00

1º Avatar (2009, James Cameron)

2º Vengeance (2009, Johnny To)

3º The Box (2009, Richard Kelly)

4º Harry Brown (2009, Daniel Barber)

5º Where The Wild Things Are (2009, Spike Jonze)

Avatar (2009)

2009-12-20T09:36:00.001-08:00

Watching "Avatar," I felt sort of the same as when I saw "Star Wars" in 1977. That was another movie I walked into with uncertain expectations. James Cameron's film has been the subject of relentlessly dubious advance buzz, just as his "Titanic" was. Once again, he has silenced the doubters by simply delivering an extraordinary film. There is still at least one man in Hollywood who knows how to spend $250 million, or was it $300 million, wisely. by Roger Ebert

Admirável mundo novo este de James Cameron! Avatar é um épico enibriante, que nos convida a entrar num mundo impar na história do cinema e demarca-se de todos os filmes de fantástico e ficção científica, por um simples mas muito complexo facto - Avatar é um filme de ficção ciêntífica e era também há bem pouco tempo atrás ficção ciêntifica na cabeça de muita gente. Pois bem, que fique bem claro, Avatar é sem dúvida absolutamente nenhuma um marco histórtico para o cinema a 3D, para os efeitos visuais gerados por computador (nunca as expressões faciais de um personagem a 3D foram tão verosímeis) e para o departamento científico da empresa Lightstorm de James Cameron.

No entanto uma outra questão se levanta - Se retirarmos a componente técnica é Avatar um grande filme? - pois bem, a resposta é sim. O filme de Cameron conseguiu fazer aquilo que District 9 ficou a milhas de distância de fazer, que foi partir de uma permissa ecológica actual do mundo e utilizá-la como metáfora para um mundo fantástico inimaginável, mas de forma subtil e tendo o cuidado de ter criado diversas camadas bastante bem estruturadas. E se viram o trailer do filme e reparam naquele "written & directed by James Cameron" no final, fiquem com a certeza que este é dos melhores argumentos que Cameron, provando que o homem sabe fazer sci fi "ponto final parágrafo", e que Titanic por muito sucesso que tivesse tido, em termos de dramatúrgia era uma pastelada charoposa.

Uma das outras questões incontornáveis é a autêntica viagem túristica a um mundo totalmente criado apartir da imaginação de Cameron. Aqui o filme ganha pontos de forma magistral, podemos dizer mesmo que o primeiro andamento do filme é uma viagem guiada ao planeta Pandora, e que viagem caros leitores, preparem-se para experiênciarem algo de único e original.

Daqui a alguns anos vamos olhar para Avatar como o filme que marcou a componente técnica do cinema digital. E sim! Há personagens digitais totalmente criados apartir de bits e bites, mas no meio de todos aqueles "1" e "0" temos pela primeira vez alma e transmissão de emoções na mímica e expressão facial totalmente reais. Magistral regresso ao cinema do mestre James Cameron e que o seu próximo filme já a estrear em 2011 - Battle Angel - seja igualmente fantástico.

Womb 2 (2009)

2009-12-18T09:28:00.000-08:00

Agora que se aproxima o Natal o Palhacinho deixa-vos a nova compilação do nosso artista electrónico de serviço. É só clicar a imagem.

2012 (2009)

2009-12-14T00:57:00.000-08:00

Mas que palhaçada vem a ser esta! E ficamos por aqui relativamente ao filme de Roland Emmerich - 2012. Novamente, mais uma crítica de Angry Black Man, sem grandes comentários da nossa parte, porque isto não é cinema é jogo de computador.

New Moon (2009)

2009-11-30T01:49:00.000-08:00

Antes de mais gostariamos de deixar claro que simpatizamos com o filme Twilight. Não sendo uma obra prima, Twilight acabaria por ser um filme que sem um grande orçamento, acabaria por nos deixar agarrados á história do inicio ao fim. Infelismente o mesmo não se pode dizer da sequela, definitivamente não se pode mesmo. Por isso, e sem muita paciência para dissertar sobre o filme, deixamo-vos com a crítica do nosso amigo do youtube Angry Black Man, que embora extremada, acaba por reunir alguns dos sentimentos que o filme suscitou em nós.

Moon (2009)

2009-11-30T01:10:00.001-08:00

Algures situado entre "2001: Odisseia no Espaço" e "Solaris", o filme Moon do realizador britânico Duncan Jones (filho de David Bowie) é um pequeno grande filme. Pequeno no orçamento e no elenco, grande no argumento, na banda sonora, na direcção de artística e na capacidade de representação de um surpreendente Sam Rockwell, neste momento ás voltas com Iron Man 2.

Depois de "À Boleia pela Galáxia" e "Choke", o actor de "Confessions of a Dangerous Mind" volta aos papéis bizarros, desta feita para interpretar Sam Bell, astronauta solitário em missão na Lua, que a uma semana de regressar a casa encontra, num módulo da estação lunar em que vive, nada menos que um sósia perfeito e amordaçado. Kevin Spacey dá a voz ao computador da estação espacial, uma piscadela de olho a HAL, de Arthur C. Clarke.

Uma das críticas mais fervorosas ao filme e ao realizador Duncan Jones vem da Variety, que classifica o filme como um filme de "ficção científica cujos fãs do género que não são ávidos por lasers ou monstros deviam conhecer".
Carregando o peso de ser filho de um dos músicos mais influentes da história da música, Jones afirma não se apoiar no nome do pai, mas que David Bowie é uma figura no qual ele se inspirou para "Moon". "Como eu cresci ao lado do meu pai, é normal que eu me interesse pela ficção científica", disse Jones que não usa o sobrenome do pai na assinatura do filme.

Moon recomenda-se vivamente para todos os fãs de ficção cientifica á séria, para todos os que já viram mais que uma vez filmes como Solaris e 2001, fiquem com a certeza que vão adorar. Moon é o grande filme de ficção ciêntifica do ano.

Daybreakers (2010)

2009-11-28T10:23:00.001-08:00

Muito provavelmente o filme dos irmãos Spierig, a estrear a 8 de Janeiro nos EUA, será uma das grandes surpresas do inicio do novo ano. Daybreakers é uma aproximação inteligente ao filme de vampiros, muito em voga nos dias que correm e tem seduzido de forma fanática o público dos festivais de cinema fantástico. E falamos de um fanatismo cool, de geeks, não confundindo com o fanatismo adolescente de Twilight.

Daybreakers será, muito provavelmente o filme que irá revitalizar e dar um novo folego às carreiras de Ethan Hawke, Willem Dafoe e Sam Neill, e concerteza e sem dúvida nenhuma terá sequelas. Se prestarmos ao que diz a maioria, se não toda a crítica, no inicio do próximo ano estaremos perante um filme de culto imediato que irá deixar muito boa gente surpreendida.

Black Dynamite (2009)

2009-11-23T01:26:00.000-08:00

"First Lady, I'm sorry I pimp slapped you into that china cabinet."

Black Dynamite de Scott Sanders foi "A" surpresa do cinema independente do ano. E com isto poderiamos fechar já aqui o post e não escrever nem mais uma linha, mas o nosso apreço por ele é de tal forma desmesurado que não resistimos a vos bombardear com mais algumas linhas de erros ortográficos.

Quem diria que o canastrão, perdão actor, Michael Jai White teria o génio de criar um dos mais emblemáticos heróis negros dos últimos anos, quem díria que escreveu o argumento do filme e que interpreta na prefeição o herói deste Blaxploitation destravado e com sentido de estética a la 70's apuradíssimo. Pois é, Black Dynamite é uma espécie de homage ao cinema de género dos anos 70, que usava maioritariamente um elenco de etnia negra e que mais tarde se viria a chamar blaxploitation, filmes como The Avenging Disco Godfather (este nome é por si só uma obra prima), Superfly e Shaft marcaram uma génação de herois negros, que ultimamente andavam desaparecidos do ecrã. Com Black Dynamite temos um personagem ex-agente da CIA, perito em Kung Fu, de uma força bruta, politicamente incorrecto, ora vejam como ele espanca sem piedade uma sexagenária mãe de um informador, ou seja é de doer a barriga de tanto rir.

Outro dos aspectos extraordinários deste filme é a fotografia, a emular a imagem gritty do género cinematográfico, a prodigiosa banda sonora e a recolha que fizeram de música soul para utilizar no filme e que a todo o momento transmite o estado de espirito do personagem; ora vejam a cena do funeral em que se ouve num soul arrastado a letra dizer "mataram o mê irmão e agora o meu sentimento de raiva cresce para a vingança" - excelente.

Top 5 movies do Palhacinho

2009-11-13T11:00:00.000-08:00

Estamos deveras bastante contentinhos com os filmes deste mês, sobretudo porque ansiavamos sofregamente deitar as mãos a dois deles Thirst de Chan-wook Park e o supercool Black Dynamite de Scott Sanders que emula o génerno Blaxploitation. Passemo então ás hostilidades:

1º Thirst (2009, Chan-wook Park)

Do realizador de Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy, Lady Vengeance e Joint Security Area, chega-nos o muitíssimo cabaz de natal que é Thirst. Estamos perante uma reintrepretação do filme de vampiros, inspirado na novela francesa Therese Raquin de 1867 por Emile Zola, e que grande regresso é este. É um filme que ou se gosta ou se odeia e no nosso caso simplesmente adoramos.

2º Black Dynamite (2009, Scott Sanders)

Quando Holywood atravessava uma grande crise de criatividade, os anos 70 vieram trazer uma lufada de ar fresco com os filmes de terror da época e o cinema de género. Filmes como Shaft, Superfly, Across 110th Street e The Avenging Disco Godfather fizeram a meca do cinema descobrir que podiam fazer dinheiro com filmes com um elenco exclusivamente constituido por actores negros. O filão foi esticado ao máximo dando a origem a filmes muito maus e ao termo Blaxploitation. Black Dynamite é uma homenagem a esses filmes com todos os seus clichés, com uma história levada do catano, uma banda sonora inspiradissima, um grande heroi negro como já não viamos á muito. E sobretudo é uma paródia feita com muitíssimo respeito ao género.

3º Goemon (2009, Kazuaki Kiriya)

É o regresso efusivo do realizador Kazuaki Kiriya que contava até á data com uma única obra chamada Casshern, e basta porque é um primeiro filme fantástico. Com Goemon surge uma nova adaptação de um Manga, que conta a história de uma espécie de Robin dos Bosques armado de ninja. Excelente fotografia, guarda roupa e direcção de arte.

4º Mesrine L'Instict de Mort (2009, Jean-François Richet)

O filme de Jean-François Richet é dividido em duas partes, contando a história real do gangster Jacques René Mesrine, da sua ascensão á sua queda. Excelente direcção de arte e de actores e um grande Vincent Cassel, naquele que é até agora o papel da sua vida.

5º The Proposal (2009, Anne Fletcher)

Filme veiculo para Sandra Bulock e a estrela em ascensão Ryan Reynolds. È divertido, não sendo hilariante e é uma comédia romântica que vai de "A" a "B" sem grandes surpresas e sobressaltos.

Prince Of Persia Sands Of Time (2010)

2009-11-09T09:56:00.000-08:00

Já por aqui falamos em tempos da adaptação cinematográfica do clássico jogo de computador e consola Prince Of Persia, pois bem, o trailer de cinema já anda por aí, com um Jake Gyllenhaal (Donnie Darko) cheio de testosterona para dar e para vender.
O produtor é Jerry Bruckheimer (Piratas das Caraíbas), homem que sabe deitar a mão a minas de ouro, só sendo ingénuo aquele que não pensa vir daqui mais um franchise. O realizador é um senhor que fora muito promissor no passada, apesar de nós não o acharmos, que passou com as mãos por obras como Harry Potter and the Goblet of Fire (2005) e Mona Lisa Smile (2003). A história do filme é nada mais nada menos (assim rezemos!!!) que Sands of Time, considerado como uma das melhores histórias de sempre da saga Prince of Persia, sendo nós testemunhas disso, pois jogamos o jogo do princípio ao fim e ficamos extremamente impressionados com a qualidade do argumento do jogo.

Pois bem fiquem com o trailer das arábias e esperemos até 2010 para ver o que aí vem.

Avatar (2009)

2009-11-02T10:15:00.000-08:00

O mundo e a industria do cinema não será o mesmo depois de 18 de Dezembro de 2009. O filme Avatar não só marca o regresso há muito aguardado de James Cameron, como também vai definir novas regras e um patamar nunca antes alcançado a nível técnico, falamos da utilização de camaras digitais 3d criadas de propósito para o filme, falamos da criação de personagens digitais numa perfeição técnica nunca antes alcançada e sobretudo falamos numa grande história a cozinhar á mais de 10 anos.

James Cameron definiu regras aquando da concepção de The Abyss há 20 anos atrás, subiu a parada com Terminator 2 e estabeleceu critérios altos na uilização de CG no filme Titanic, por muito discutivel que seja a qualidade do argumento (para nós este foi a pedra no sapato na obra de Cameron).

Em Avatar Cameron dirige, escreve e concebe um mundo para além daquilo que possamos imaginar, com meios técnicos nunca antes utilizados e sobretudo redifine o filme 3D.

A 18 de Dezembro de 2009, e segundo as primeiras impressões daqueles que visionaram 15 minutos do filme nos EUA a 11 de Agosto, iremos estar perante algo completamente novo que não é possivel aferir em qualquer um dos trailers.

Um Lobisomem Americano Em Londres (1981)

2009-10-29T10:42:00.000-07:00

Numa época em que os grandes estudios de Hollywood, e não só, investem milhões de dólares em produções pejadas de efeitos especiais com recurso ao CG, e principalmente, num período onde a esmagadora maioria dos frequentadores dos cinemas são jovens e adolescentes acostumados às imagens e ritmos frenéticos popularizados através da “geração MTV”, parece cada vez mais difícil um filme atravessar décadas e ainda ser considerado um clássico referencial, com potencial jamais superado dentro do seu respectivo género. Dentro desse selecto grupo de pérolas, no topo da lista estará certamente Um Lobisomem Americano em Londres, dirigido por John Landis em 1981.
O filme tem inicio com o genérico de abertura, intercalado pelas imagens das desoladas e inóspitas paisagens do interior da Inglaterra, ao som de “Blue Moon” interpretado magistralmente por Sam Cooke. A noite cai e a negritude do céu não promete nada de bom, quando então vemos uma carrinha de caixa aberta, repleta de ovelhas, parar num cruzamento. Do meio das ovelhas saem David Kessler (David Naughton) e Jack Goodman (Griffin Dunne), dois amigos norte-americanos que estão passeando pela Europa. O motorista da carrinha indica-lhes o caminho até á vila mais próxima, e adverte-lhes para que “evitem os pantanos e fiquem na estrada” (hello! Capuchinho Vermelho written all over it). Os dois jovens seguem caminhando e conversando descontraidamente, hora reclamando do frio, hora motivados com as expectativas da viagem. Sendo nesses momentos iniciais que se percebe a perfeita química entre os dois jovens actores, que de certa forma quase convencem o espectador de que eles são realmente grandes amigos e que se conhecem desde infância. Essa empatia entre o público e os personagens é fundamental para que as cenas posteriores causem o devido impacto a que se propõem.
Paralelamente ao enfoque dado ao suspense e terror, o filme também dá introduz de forma extremamente inteligente o humor, que a partir daqui passou a ser um elemento incorporado em quase todos os filmes de terror desenvolvidos ao longo da década de 1980. Mas quando se fala em humor, é preciso que se tenha a noção de que se trata de um humor subtil e ocasional, e não de algo forçado e que inevitavelmente descamba para a escatologia. Recomenda-se á fartazana.

Halloween (1978)

2009-10-26T02:37:00.000-07:00

Na noite de Halloween, o psicopata Michael Myers foge do hospital para doentes mentais onde fora mantido prisioneiro durante quinze anos e coloca a pequena cidade de Haddonfield em panico. Esta foi uma das permissas mais simples da história do cinema e que deu origem a um dos filmes mais influentes de terror de todo o sempre, tendo o mesmo inclusivé dado origem aquilo que se viria hoje a chamar de "slasher movie".

Realizado por um então desconhecido e estreante Jonh Carpenter, Halloween foi rodado em apenas 21 dias durante a primavera de 1978, com um orçamento reduzidíssimo de 300 mil dólares. O resultado foi um dos grandes clássicos do cinema de horror que influênciou diretamente slasher movies como Sexta-Feira 13. Suspense doseado de forma magistral, tensão constante, sem derramar uma gota de sangue ao longo de todo o filme. Carpenter aprendeu com Hitchcock que o medo causado pelo que não se vê é muito maior, o que torna desnecessário a violência explícita. Este detalhe é o que torna Halloween superior a filmes similares.

A atriz Jamie Lee Curtis, que interpreta competentemente a jovem Laura Strodie (nome da primeira namorada de John Carpenter), foi recrutada para fazer Halloween por causa da publicidade em torno do seu nome, já que ela era filha de Janet Leigh, que entrou em Psycho (Alfred Hitchcock). Donald Pleasence dá vida ao obestinado Dr. Loomis.

Como o orçamento para rodar Halloween era escasso, a máscara escolhida para ser utilizada por Michael Myers foi a mais barata encontrada numa loja próxima das filmagens, que era exatamente igual à utilizada por William Shatner no filme The Devil's Rain. A máscara sofreu algumas pequenas mudanças, sendo pintada de branco e o contorno dos olhos sofreriam modificações. Ainda para contornar problemas de orçamento, os actores usaram as suas próprias roupas durante as filmagens, já que não fora contratado ninguém responsável pelo guarda roupa.

Goemon (2009)

2009-10-24T15:36:00.000-07:00

E pronto apertem os cintos de segurança, cuidado se forem epiléticos, cuidado se forem fotossensiveis e preparem-se para o novo filme operático do visionário mestre dos filmes de cinema fantástico nipónico - Kazuaki Kiriya. Depois da impressionante primeira obra, um pequeno filme chamado Casshern (e sim estamos a ser irónicos!) baseado no Manga homónimo, eis que nos chega cinco anos depois Goemon, uma nova adaptação de um Manga, mas também uma reinterpretação de um herói mítico para os nipónicos, sendo este o equivalente a um Robin Hood sob efeito de LSD.

Sejamos honestos, pois onde Casshern abusava no esquema operático, denso e trágico da história, em Goemon a história é igualmente densa, mas sobejamente mais light. O filme acenta igualmente numa esquemática retrofuturista, apesar de ser um filme de época, facto que fora algo de fresco aquando da estreia do seu irmão Casshern.

Os trunfos de Kazuaki Kiriya são o passado de fotografo na área da moda ao serviço de nomes famosos como Alexander Mcqueen, Bjork e Jean Paul Gaultier, a capacidade de fazer muito com "não muito dinheiro" (apesar de Goemon ter custado os olhitos da cara) ao estilo de Mario Bava e a sua capacidade visionária estética.

Os filmes de Kazuaki Kiriya são sobretudo obras de arte estéticas, autênticos assaltos aos sentidos, onde a música ocupa um papel fulcral, conferindo coesão operática ás obras. Estamos sobretudo perante obras visualmente assombrosas, em que cada um dos frames são impressionantes quadros impressionistas. Recomenda-se absolutamente sem restrições, com o som bem alto e de olhos bem abertos para não perderem nenhuma imagem!

O Homem que Odiava as Mulheres (1968)

2009-10-15T10:55:00.000-07:00

Os assassinatos em série que chocaram a cidade de Boston nos anos 60 são a história central deste inesquecível suspense policial, filmado num estilo semi-documental, algo de novo para a época, tendo sido inclusivé um filme de enorme importância do ponto de vista técnico, introduzindo a técnica de split-screen pela primeira vez, imprimindo ao filme uma montagem de enormre complexidade para a época.

A acção mostra a investigação maciça desenvolvida para descobrir o responsável pelo terror espalhado pelas mulheres de Boston durante dois anos. Na vida real De Salvo foi preso em Novembro de 1964 sob a acusação de estuprar cerca de 300 mulheres desde 1962. No início, ele não era suspeito de ser o assassino que estava aterrorizara Boston naquela época. Porém, após uma série de interrogatórios, acabou por confessar não apenas os 11 assassinatos que lhe eram atribuídos, como também outros dois que a polícia não havia associado ao psicopata. No entanto, a única testemunha que sobreviveu ao ataque não reconheceu De Salvo, e até hoje suspeita-se que ele tenha assumido os crimes de outro homem, apenas por vaidade. Sabe-se que De Salvo tinha problemas mentais, e há policiais que acreditam na possibilidade de ele ter recebido dinheiro do verdadeiro assassino para assumir os estrangulamentos.

Henry Fonda interpreta um investigador da polícia. Tony Curtis brinda-nos com uma magnífica interpretação no papel do psicopata que Fonda procura desesperadamente. Filmado em estilo de documentário que confere um certo sentimento de realismo aos horríveis acontecimentos, O Homem Que Odiava as Mulheres é um dos filmes de refência da década de 70.

The Hurt Locker (2009)

2009-10-09T09:20:00.001-07:00

The Hurt Locker é o novo filme da cineasta Kathryn Bigelow (Ruptura Explosiva e Estranhos Prazeres), ex-mulher de James Cameron e foi o grande vencedor do Leão de Ouro do festival de cinema de Veneza (melhor filme). É Uma invulgar abordagem cinematográfica da guerra, com o conflicto no Iraque como pano de fundo, em que se questiona o lado vicioso da batalha. Kathryn Bigelow filma o dia-a-dia de uma unidade de elite do Exército que desmantela bombas em Bagdad, penetrando na intimidade e na mente de homens que foram para a guerra como voluntários e para quem o campo de batalha tanto significa adrenalina, como atracção e vício. Um pelotão numa cidade de potenciais inimigos em que qualquer objecto pode ser uma bomba. E o perigo não está exclusivamente no campo de batalha nem o inimigo apenas do outro lado da barricada. Mark Boal, jornalista e argumentista, utiliza as suas próprias experiências ao lado de soldados americanos no Iraque para construir este argumento (como já tinha feito em "No Vale de Elah", de Paul Haggis).

É um filme visceralmente intenso que coloca o espectador sob tensão em cada frame e é sem dúvida o melhor filme de Bigelow até á data, ficando também este marcado pelo excelente desempenho de Jeremy Renner na pele do audaz (ou será inconsciente!) SSgt. William James, que desmantela bombas como quem vira Hamburgers num qualquer restaurante do McDonalds (sempre quisemes usar esta metafora!). Recomenda-se sem restrições.

Compras Ocasionais de Férias

2009-09-30T11:05:00.000-07:00

O periodo de férias é propício a compras de ocasião furtuitas. Por essa mesma razão vimos fazer-vos algumas sugestões que podem considerar interessantes (ou não!).

A primeira sugestão é o livro escrito a duas mãos por Guillermo Del Toro & Chuck Hogan, sendo este o inicio de uma trilogia que só se Hollywood estiver a dormir é que não arreganha o dente a esta obra prima do fantástico literário. Para nós fui uma surpresa angustiante, bastando simplesmente dizer que no primeiro dia que o começamos a ler foram 188 paginas de enfiada das 600 e muitas do livro (atenção é possivel que tenham embebido as paginas do livro em LSD ou afins). Chama-se The Strain e é absolutamente imperdivel e genial.

A segunda sugestão vai para o clássico Eurotrash (sempre quisemos usar esta palavra), obra horrorerotica do lunático Jess Franco - Vampyros Lesbos (1970). E não vale a pena dizer que é a versão lesbiana (também sempre quisemos utilizar esta palavra) da obra de Bram Stoker. O dvd da obra prima de Jess Franco está com uma imagem e som restaurados todos catitas, para melhor apreciarmos a fotografia e banda sonora funk deste clássico filme de culto com a fabulosa e malograda Soledad Miranda. É o melhor filme de Jess Franco e tem uma legião de fãs assombrosa que o veneram religiosamenteA terceira sugestão vai para o dvd de The Fog de John Carpenter, com o qual não há nada que enganar é sucesso garantido do inicio ao fim.

Hardcore (2009)

2009-09-18T05:56:00.001-07:00

Depois de All Things Must End (2008), eis o regresso do nosso artista electrónico de serviço com o primeiro single "Hardcore" retirado do album Riot previsto para 2010. Para ouvirem basta clicar na imagem. Recomenda-se ouvir bem alto.

The Informers (2009)

2009-09-10T12:16:00.000-07:00

The Informers cruza pequenas histórias ocorridas numa semana em Los Angeles em 1983, protagonizadas por executivos de cinema, estrelas de rock e outros seres moralmente duvidosos. Tudo cozinhado numa caldeirada de sexo, drogas e violência, mas muito qb caros leitores. O filme conta com competentes interpretações de Mickey Rourke e Kim Basinger e é baseado no romance homónimo de Bret Easton Ellis.

O filme é passado no inicio dos anos 80, e traz-nos um grupo de personagens que representam os pontos altos e baixos da sociedade da época, em histórias interligadas. The Informers é realizado por Gregor Jordan, e com argumento de Bret Easton Ellis e Nicholas Jarecki. O elenco conta com outros tantos ilustres tais como Billy Bob Thornton, uma retornada Winona Ryder, depois dos acessos de cleptomania e Jon Foster. Não sendo um retracto tão bem conseguido como foi American Psycho, muito por culpa de uma realização demasiado pretensiosa. Não obstante é um filme recomendável para quem saiba ao que vai e num marasmo pós verão soube bastante bem. Sem dúvida será um filme de culto daqui a uns bons anos.

Top 5 do Palhacinho

2009-09-09T09:11:00.000-07:00

1º State of Play (Kevin Macdonald 2009)

2º District 9 (Neill Blomkamp 2009)

3º The Boat That Rocked (Richard Curtis 2009)

4º The Informers (Gregor Jordan 2009)

5º Drag Me To Hell (Sam Raimi 2009)

K-20: Kaijin niju menso den (2009)

2009-08-28T01:14:00.001-07:00

Japão 1949, Teito é a capital do país e é controlada por aristocratas que monopolizam a maioria da riqueza. K-20, um misterioso homem com a habilidade de mudar a sua aparência, transformou os ricos no objetivo dos seus actos criminosos. Confundido com o autêntico criminoso, o acrobáta circense Heikichi Endo (Takeshi Kaneshiro) irá ter de escapar da prisão para provar a sua inocência com a ajuda da nova vítima de K-20, Yoko Hashiba (Matsu), a bela esposa de Kogoro Akecho (Nakamura) e o famoso detetive que o prendeu.

É simples, directo e foi outro dos blockbusters de verão do cinema nipónico, conta com o actor Takeshi Kaneshiro (House of The Flying Daggers, Red Cliff) no papel principal e é uma espécie de Robin Hood a todo o gás. Este recomenda-se até ás criancinhas!

20th Century Boys 2: Last Hope (2009)

2009-08-28T00:52:00.001-07:00

Depois do inicio fantabulástico (é claro que a palavra não existe!) da trilogia 20th Century Boys, eis que nos chega o segundo tomo da história. 20th Century Boys: Last Hope mantém o espirito do primeiro, tem inclusivé a árdua tarefa de arrancar onde o filme anterior ficou, mas sobre tudo tem um problema! E que problema é esse? Bem é o problema do qual todo o filme do meio de uma trilogia sofre, nem é peixe nem é carne; ou seja, há uma clara tentativa de fazer um filme de transição, há a tentativa louvável de tentar incluir todos os pormenores dos enésimos volumes do Manga, mas é aí que as coisas também começam a vacilar. 20th Century Boys é sem dúvida um work of love, antes de ser uma autêntica money making machine (no japão tem facturado como pãesinhos quentes), isto porque os seus autores tentam ser o mais fieis possivel á bd o que por vezes se torna demasiado denso para quem não é um conhecedor da obra original.

Por outro lado, com o primeiro filme sentimos que estavamos perante um argumento (dentro do género) muitos furos acima da média, com um excelente ritmo, suspense e subplots, paracendo por vezes estarmos a ver uma espécie de Lost da Manga ("Lost da Manga" isto soa bem...vamos apontar no caderno das ideias perdidas).

De qualquer forma, para quem viu o primeiro, este fica um pouco aquém das expectativas, por isso aguardamos ansiosamente o final da trilogia e esperemos que seja uma espécie de The Return of The King ao invés de um Two Towers (com todo o devido respeito).

Coming Soon

2009-08-19T12:38:00.000-07:00

Låt Den Rätte Komma In (2008)

2009-08-14T09:17:00.000-07:00

Ficaram confusos com o título não? Pois bem, em inglês chama-se Let The Right One In e é um filme sueco realizado por Tomas Alfredson, passado na Suécia - fotografado maravilhosamente sob um quase constante manto branco de neve - e que aborda a juventude e a inocência a par de um tema habitualmente sobrenatural, os vampiros, retratado aqui de forma muito mais natural. É um daqueles filmes que parece que é só mais um, mas que depois de o vermos mudamos completamente a nossa opinião. Baseado no livro do sueco John Ajvide Lindqvist, que também escreveu o argumento, o filme de Tomas Alfredson surpreende pela positiva e poderá vir a ser um filme de culto dentro do género.O filme conta a história de Oskar, um rapaz constantemente a ser ameaçado e incomodado pelos colegas da turma, que encontra o amor e a vingança em Eli, uma rapariga bonita mas peculiar que afinal é um vampiro. O que parece ser um filme de terror é muito mais que isso, é um drama com um toque de romance e uma história absolutamente espectacular envolvendo tudo. Não cai nos clichés usuais do género e prende o espectador até ao último segundo.
Possuidor de uma fotografia maravilhosa, Let The Right One In sobe ainda mais na classificação pela fabulosa performance dos actores principais, de apenas 12 anos, que convencem e agarram a atenção do espectador. Mais uma vez, a história totalmente aterradora não tem momentos mortos, é sólida e bem construída, deixa perguntas no final do filme, o que é sempre bom, e, mais que isso, a deixa o espectador a roer as unhas para saber o que acontece a seguir.

Vencedor de mais de 40 prémios internacionais incluindo 12 para melhor filme internacional.

2009-08-11T12:15:00.000-07:00

The Bastards é o novo projecto musical apadrinhado pelo palhacinho, cujo conceito gira á volta da música pop nas suas mais variadas formas e géneros. Não estamos perante originais, mas sim de reintrepretações e mashups de musicas pop conhecidas por todos, provando que a pop é universal e os acordes de uma música poderão encaixar na perfeição para outra ou outras quaisquer. É só clicar na imagem para terem o primeiro tomo, porque o album ou colecção só para 2010.

Buraka Som Sistema

2009-08-11T09:44:00.000-07:00

Chama-se Blood Diamond Mixtape e é o presente de verão dos Buraka Som Sistema. A compilação visa recriar os dj sets avassaladores dos Buraka e nela podem encontrar todos os bootlegs e versões alternativas para as músicas da banda, assim como faixas de outros artistas. Ideal para ouvir bem alto e beber uns copos!

É chamamos-lhe presente porque a compilação é gratuita, para a obterem basta aceder ao site da banda. Apressem-se enquanto ainda está disponíuvel.

Painted Skin (2009)

2009-08-07T09:10:00.000-07:00

Painted Skin é o filme mais recente de Donnie Yen, dirigido por Gordon Chan e também o candidacto oficial de Hong Kong a concurso para o oscar de melhor filme estrangeiro para 2009. Painted Skin é baseado no conto do homónimo do livro Estranhos Contos De Liao Zhai, um livro escrito por Pu Songling no fim do século XVII. Embora divulgado como um remake de Painted Skin dirigido por King Hu em 1993, o enredo detsa nova versão é consideravelmente diferente.
Wang Sheng (Chen Kun) é um general que, ao dizimar uma orde de bárbaros com seu exército, resgata das suas garras uma jovem prisioneira chamada Xiao Wei (Zhou Xun). Num misto de pena e desejo, Wang leva a bela jovem para casa sem saber que ela na verdade é demónio que precisa de se alimentar periodicamente de corações humanos para manter a aparência humana.
Por tal gesto heróico, Xiao Wei apaixona-se por Wang Sheng e deseja tornar-se a sua esposa. O problema é que Wang já é casado com Pei Rong (Vicky Zhao Wei), que por sua vez é um antigo amor de Pang Yong (Donnie Yen), um ex-general que é chamado de volta à cidade para investigar uma série de assassinatos cometidos por um outro demónio (Qi Yu Wu), que arranca corações para levar à sua amada Xiao Wei. Para auxiliar Pang Yong na caça ao assassino, entra em cena Xia Bing (Fearless), uma inexperiente caçadora de demónios. E mais não contamos!
Devido á temática do sobrenatural, Painted Skin é comumente classificado como um filme de horror, quando na verdade é uma envolvente história de amor, sendo um desfile de amores platónicos.

O filme está povoado por representações de excelência, com destaque pra Vicky Zhao Wei, que declarou em entrevistas que a tocante amargura de sua interpretação foi resultado de uma estratégia perigosa do realizador, em que durante as filmagens, que duraram 2 longos meses de inverno, tanto o realizador como a equipa simplesmente não davam minima atenção à actriz. Quando acabava de filmar as suas cenas, todos simplesmente a ignoravam. Vicky Zhao Wei caiu em depressão e foi necessária a presença da sua família nos sets para ter condições psicológicas de continuar as filmagens. Segundo as suas palavras, a dor da solidão foi tão grande que todas as lágrimas que vemos no filme são reais!

Na senda de visionar todos os vencedores dos prémios do cinema de Hong Kong de 2008, Painted Skin é um filme excelente a par com outro dos premiados já aqui revistos - The Beast Stalker - tendo sido um ano acima da média para o cinema asiático.

Coming Soon

2009-08-05T09:21:00.000-07:00

Nunca foi a nossa chávena de chá filmes baseados em jogos de video, mas eis que chega uma das notícias cinéfilas mais surpreendentes do verão, na verdade a noticia já é de alguns bons meses, mas só agora foram reveladas as primeiras imagens da adaptação cinematográfica de Prince of Persia. Para quem não conhece os jogos do Prince of Persia, heresia a vossa, para quem os conhece fica ainda a novidade de que o argumento se baseia num dos melhores jogos da série - Sands of Time, conta com o Mr. Donnie Darko himself - Jake Gyllenhaal - na pele do príncipe, com a bond girl Gemma Arterton, o grande sir Ben Kingsley, Alfred Molina e com a produção de Jerry Bruckheimer ná há que falhar para um belo filme de pipocas.

Coming Soon

2009-08-05T09:05:00.001-07:00

Depois do tiro no vazio que foi o relativamente simpático Speed Racer, eis que regressam os irmãos Wachowski novamente como produtores do novo filme de James McTeigue, realizador de V for Vendetta.

Falamos do hiper cinestésico Ninja Assassin, do qual vos deixamos o trailer. Veremos se será interessante!

Top 5 Movies do Palhacinho para Agosto

2009-07-29T12:09:00.000-07:00

1º The Beast Stalker (2008)

Pelas excelentes representações dos actores, por nos deixar na ponta da cadeira do principio ao fim. E porque é o filme do c**** do mês (ponto final parágrafo).

2º Blood The Last Vampire (2008)

Por estarmos á espera de ver o filme á que séculos e pelas expectativas não terem saido goradas. E já agora porque somos grandes fãs do Anime e esta versão não desiludir e ser a cara chapada do original, mas em carne e osso.

3º The hangover (2008)

Pela parvoice desgarrada do principio ao fim e de alguns bons gags.

4º Blood and Black Lace (1964)

Por ser um dos clássicos que vimos este mês que nos surpreendeu bastante. Basta dizer que é do grande Mario Bava e está tudo dito.

5º Duplicity (2008)

Originalidade do argumento de um filme de espionagem no meio da indústria cosmética, e porque marca o regresso de Julia Roberts, o que é sempre simpático.

Blood And Black Lace (1964)

2009-07-27T11:17:00.000-07:00

Concebido inicialmente pelos co-financiadores da Alemanha Ocidental como um rotineiro thriller policial, Sei Donne per l'Assassino representa um tremendo avanço no desenvolvimento do moderno filme de horror.

Em Blood and Black Lace (1964), Bava retira o ênfase das personagens e suas motivações psicológicas, criando detse modo uma sinfonia operática de violência em que ninguém é o que parece. No paranóico ambiente do filme, não se deve confiar em ninguém. Homens de negócios aparentemente respeitáveis revelam-se assassinos sádicos; todos os outros ou são seguros-de-si e intocáveis (por exemplo, o inspetor) ou traiçoeiros e chantagistas. Mario Bava usa a camara de modo a que o público tome parte da acção, sem encorajar contudo a simpatia do espectador com as personagens; por estas razões, muitos críticos continuam ainda hoje ferverosos opositores de Blood and Black Lace, levando Bava a responder pela criação de uma celebração sem remorsos do sadismo.

Com bastante frequência, as personagens de Bava são marcadas por uma incapacidade de amar. Em nenhum outro filme este conceito é mais aparente. Ainda que a maioria das personagens principais estejam envolvidas em relacionamentos, elas são demasiado embutidas afectivamente para que possam sentir realmente alguma coisa uns pelos outros.
Executado com uma perspicácia mórbida e repleto dos deslumbrantes toques estilísticos que tiveram tão profunda influência em Dario Argento e Martin Scorsese, Blood and Black Lace representa uma etapa lógica na maturidade crescente de Bava como cineasta. Os recursos um tanto esgotados dos géneros do gótico e do peplum deixaram o realizador ansioso por tentar algo novo. Embora um outro seu filme The Girl Who Knew too Much tenha permitido que Bava deixasse pra trás as armadilhas artificiais do filme de época, este ainda sofre de certa falta de maturidade - pode ser o primeiro giallo, mas é um giallo incerto. Em Black Sabath, o realizador deu um passo no sentido correto com o segmento "Il telefono" (seu segundo thriller com ambientação contemporânea), mas é com Blood and Black Lace que surge o género Giallo. É um filme de tal crueldade sem remorsos e cinismo amargo que agitou o género nos seus próprios fundamentos. Visualmente Blood and Black Lace é um dos filmes mais bonitos de Mario Bava: não há um único plano que não seja digno de exposição numa qualquer galeria de arte. A direção de arte de Bava fornece enorme impacto ao espectador . E mesmo a idéia de ambientar um violento thriller nos confins de uma casa de alta costura é um conceito deliciosamente irónico, estabelecendo imediatamente um conflito inquietante entre a acção e o ambiente.

Mesmo se os filmes que veio a inspirar (incluindo Haloween de John Carpenter, 1978, e Cabo do Medo de Martin Scorsese, 1991) não citem directamente Blood and Black Lace, o filme permanesce uma obra de poder e substância, e um clássico em seu próprio direito.

The Beast Stalker (2008)

2009-07-23T11:28:00.000-07:00

The Beast Stalker foi uma das grandes surpresas do cinema de Hong Kong para 2008, e foi também um dos grandes vencedores dos prémios de cinema de HK, com distinção nas categorias de melhor actor e melhor actor secundário.
Dante Lam escreve e realiza um filme surpreendente, pelo revivalismo de um tipo de cinema de acção old school típico da década de 80, pela excelência das representações e por um domínio absoluto dos planos e realização, mas sobretudo pelo seu estilo de cinema guerilla que passamos a explicar. Ora The Beast Stalker foi filmado nas ruas de Hong Kong com câmara ao ombro e no espírito do salve-se quem puder, onde as cenas exteriores foram executadas com o mínimo de equipa técnica e em que os transeuntes das ruas são apanhados no meio de cenas de acção trepidantes sem saberem muito bem se é um filme ou se é coisa séria. A expressão de surpresa e receio dos figurantes “á força” está bastante bem captada pelo trabalho do realizador, e os dois actores, sendo um deles sobejamente reconhecido pelo publico asiático, mas que no filme está caracterizado de forma quase irreconhecível. Imaginem um Clive Owen com meia cara desfigurada e a correr pelas ruas de nova Iorque com uma arma na mão e aos tiros, sem ninguém perceber que é o Clive Owen e que se trata da rodagem de um filme, e estão lá perto da coisa.
O argumento é de uma história comum mais que vista, que nas mãos de um qualquer seria mais um filme de acção, mas que nas mãos de Dante Lam é sem dúvida nenhuma um “Filme do C****”.
Por isso caros leitores, apertem bem o cinto, preparem-se para o caos nas ruas de uma das cidades mais movimentadas do mundo, e para um filme que vos vai colocar sob tensão do inicio ao fim. Para bom entendedor meia palavra basta – “f****ck”.

The Hangover (2009)

2009-07-21T09:58:00.000-07:00

Muito raramente os palhacinhos dão tempo de antena a filmes de comédia, a não ser em rarissimas excepções, as quais podemos conta-las pelos dedos, lembramo-nos do fantástico Super Bad, do hilariante Pineapple Express e agora ao que parece teremos outro - The Hangover. Vários foram já os outros palhacinhos que nos falaram do filme - "é o novo superbad"; "é a parvoice total"; "têm que falar do filme no blog", etc.etc. Pois bem, para que nos parem de martelar a cabeça aqui fica a promessa de que já tá marcado um visionamento do mesmo e que a critica virá muito em breve. Que já não vos podemos ouvir!

Akira (2011)

2009-07-17T10:33:00.000-07:00

Antes de mais a notícia veiculada á uns meses atrás era já para ficar entusiasmado e apreensivo. Ao que parece Leonardo DiCaprio, fã do filme anime Akira (1988), estaria a dar tudo por tudo para conseguir produzir a transposição da animação para a tela com actores de carne e osso. Pois é, para grande desilusão de muitos e suspiros de alívio de outros, parece que ficou tudo em banhos maria, sendo que a única certeza é que DiCaprio está fora.

Na realidade, e apesar de grande parte dos fãs do anime considerarem idiota a adaptação da história de Akira de Tokyo para Nova Iorque, nós só podemos ficar de alguma forma desiludidos. Desiludidos porque, por muito mau agoiro que os fãs hardcore do anime tivessem face ao projecto, nós aqui no palhaço até estavamos a torcer para que o filme fosse á vante pela mão de DiCaprio, é que o senhor até tem feito bons filmes e conserteza iria tratar o projecto com dignidade. Ficamos só com a imagem de apresentação de um prop para o suposto filme.

Secret Defense (2008)

2009-07-15T10:09:00.000-07:00

A terceira longa metragem de Philippe Haïm - Secret Defense - seduzio grande parte da crítica francesa pela sua eficácia, ritmo trepidante, interpretações competentes e fotografia de Jérôme Alméras.

Secret Defense é uma viagem ao mundo dos serviços secretos franceses; e não sendo um filme que parta de uma ideia original, é contudo extremamente eficaz nas cenas de suspense e intriga, tendo uma excelente montagem que incute no filme constante tensão.

A originalidade do guião está na forma como a história é contada, onde o filme começa onde acaba, e onde é abordado em paralelo o recrutamento de um agente e o recrutamento de um bombista suicida, ficando a ideia de que ambos não são assim tão diferentes.

Owusu & Hannibal

2009-07-14T11:05:00.000-07:00

Este é daqueles discos que não sai do ipod, nem á força da marreta, sendo ele um clássico instantâneo underground e porta estandarte da nova soul. Owusu & hannibal é uma dupla Dinamarquesa que prefere uma música composta de especulações soul/pop em torno da verdade que apenas poderá ser gerada por gente consciente da sua própria realidade - independentemente da possível falta de correnteza que nos envolve o quotidiano. Talvez isso explique uma capa que, longe da beleza da maioria dos temas, coloca os intervenientes num cenário exterior falso e desmazelado, obrigando o ouvinte a descobrir as pequenas maravilhas do interior. Entre o mundo de Stevie Wonder, passando por Michael Jackson, piscando o olho a uns defuntos Spacek e desaguando num r n'b exótico e desprovido de regras. O album chama-se Living With, data de 2006 e continua no nosso ipod há 3 anos.

Coming Soon (Esta Semana)

2009-07-13T10:43:00.000-07:00

Filme Mistério da Semana Passada

2009-07-10T09:39:00.003-07:00

Fica desvendado o filme mistério da semana passada, que tem causado algum tumulto entre a massa crítica, ou se ama ou se odeia. Comparações são feitas a Donnie Darko, o que quer que isso queira dizer!

Ilsa The She Wolf From The SS (1975)

2009-07-10T09:08:00.000-07:00

O cinema de drive-in, ou se quiserem grindhouse, sempre foi um estilo eximio na combinação perversa entre sexo e horror, mas em Ilsa o patamar é outro bem mais acima (ou abaixo!), falamos do perverso vs sexo vs fascismo. Talvez sejam os uniformes; talvez seja o exercer do poder autocrático que permite fazer o que quiser com o outro sem pensar nas consequências, uma espécie de S&M permitido por direito; talvez seja a própria situação de conflito, como se fosse uma guerra; etc. No caso de Ilsa, a personagem de Dyanne Thorne, tem o motivo extra de possuir seios grandes e ser lésbica (não! a sério?). Parece simples! E é. De mau-gosto! E é. Mas para muito boa gente gente, não há outro motivo para ver filmes de sexploitation a não ser ultrapassar limites culturais e do socialmente aceite.
Os quatro filmes da série "Ilsa" abordam sete tipos de abuso de poder militar. Ilsa The She Wolf of the SS gira á volta de um campo de concentração onde são realizadas experiências de tortura com mulheres; mas ao mesmo tempo que a personagem Ilsa testa a resistência à dor das prisioneiras, também procura um homem para saciar a sua incansável pulsão sexual.

É cinema trash no seu melhor (que neste caso é - "no seu pior"), sendo este um daqueles filmes que é inacreditávelmente tão mau, ultrapassando a barreira do bom gosto em larga escala, o que o torna num bom filme trash. É tão mau, tão mau que é bom!
Por isso para o visionamento aconselha-se: 1º um grupo de amigos de mente aberta e preparado para a parvoice; 2º deixar as pipocas no micro-ondas, não vá alguém vomitar; 3º muito alcool á mistura; 4º deixar o cérebro á porta; e 5º odiar nazis.
E dizem vocês -"Porque é que perdemos tempo a falar deste filme?". Porque é estúpido e danado para a parvoice.

28º Prémios do Cinema de Hong Kong (2009)

2009-07-09T09:05:00.000-07:00

Melhor Filme - Ip Man

Melhor Realizador - Ann Hui (The Way We Are)

Melhor Actor - Nick Cheung (The Beast Stalker)
Melhor Actor Secundário – Liu Kai Chi (The Beast Stalker)

Melhor Cinematografia – Arthur Wong (Painted Skin)

Best film editing – Yau Chi Wai (Connected)

Melhor Direcção Artística– Tim Yip (Red Cliff)

Melhor Guarda Roupa e Caracterização – Tim Yip (Red Cliff)

Melhor Sound design – Wu Jiang & Roger Savage (Red Cliff)

Melhores Efeitos Especiais– Craig Hayes (Red Cliff)

Melhor Banda Sonora– Taro Iwashiro (Red Cliff)

Crossing Over (2009)

2009-07-08T08:34:00.000-07:00

Desde há algum tempo para cá, que os palhacinhos decidiram não perder tempo com maus filmes, só mesmo com aqueles que são tão maus que acabam por ser bons (lembramo-nos agora assim de repente de Ilsa The She Wolf of the SS). No entanto, de quando em quando, lá abrimos uma excepção como é o caso de hoje.

Crossing Over é uma espécie de Crash, que por seu lado é uma espécie de Magnolia, ora é mais que sabido que clonar o clone, do ponto de vista genético, dá sempre uma série de complicações. Apesar do filme contar com um elenco de luxo, onde podemos encontrar Harrisson Ford, Ray Liota, Ashley Judd, Jim Sturgess e Alice Braga entre outros, a história é uma desgraça do principio ao fim, a montagem é um pesadelo e os 113 minutos de filme transformam-se em 113 penosos e intermináveis minutos de filme. Crossing Over conta o drama de familias e individuos que são imigrantes ilegais nos EUA e de forças policiais responsáveis pela fiscalização (o SEF lá do sítio).

Wayne Kramer é o realizador do desastre, que surpreendentemente conta com duas sólidas e competentes obras a preceder este último, e são elas: The Cooler (2003) e Running Scared (2006).

Por isso, e mesmo com dois bons antecedentes, não há cá pena suspensa para Wayne Kramer e o seu Crossing Over. Directos para a solitária e só com direito a liberdade condicional quando houver redenção cinematográfica futura.

Trilogia 20th Century Boys (2008-2010)

2009-07-06T12:02:00.000-07:00

Curiosidades Cinéfilas de 20th Century Boys:

- A trilogia teve inicio em 2008 e terá o seu término em 2010;

- A história abrange um longo período de 35 anos;

- Os 3 filmes dispuseram de um orçamento de 6 bilhões de ienes ($ 65 milhões de dólares);

- É o maior orçamento de sempre do cinema japonês;

- A primeira parte da trilogia foi o maior recorde de bilheteira no japão;

- Desde o inicio que a adaptação da Manga foi concebida para serem 3 filmes. Apesar deste discurso já ser cliché e utilizado sempre que um filme rende dinheiro e consequentemente transformado numa sequela e em mais outra. Em 20th Century Boys foi mesmo planeada uma trilogia, basta verem o final do primeiro filme, que ao invés do habitual "the end" tem um angustiante "to be continued" a la regresso ao futuro.

Coming Soon

2009-07-03T11:58:00.001-07:00

É o filme mistério do final da semana, dentro da categoria "estranho", do qual iremos falar para a semana.

20th Century Boys (2008)

2009-06-30T10:29:00.000-07:00

O mestre nipónico do suspense, Naoki Urasawa, ganhou a atenção do mundo com Monster, o seu thriller que conta a história do médico Kenzo Tenma no encalço do monstro Johan, o jovem assassino que o próprio doutor salvou no passado. Anos depois, o Manga foi adaptado para anime. Urasawa conquistou uma legião de fãs graças à sua habilidade ímpar de abrir inúmeros mistérios e solucioná-los de forma inquestionável, fechando histórias sem quaisquer pontas soltas, sempre com temas complexos, envolvendo dilemas religiosos e éticos. Muito em função do sucesso do anime de Monster, outra obra de Urasawa, talvez a sua obra-prima, foi adaptada para cinema.20th Century Boys é uma história de crianças que, no fim dos anos 60, numa brincadeira de infancia, imaginaram ser super-heróis e salvar o mundo no futuro, criando um símbolo da sua amizade. Anos mais tarde já adultos, eles descobrem que a sua imaginação infantil torna-se realidade, embora fossem apenas pessoas comuns enfrentando o mal inexorável. Em 1997, quando começam os presságios do cataclismo iminente, o símbolo daquela amizade ressurge, mas corrompido, trazido à tona por um homem que se identifica como "Amigo", líder de uma seita religiosa, e que planeia, em nome da "Vontade do Cosmos", destruir o mundo.

O filme, adaptado pelo próprio Urusawa e dirigido por Yukihiko Tsutsumi, é o primeiro de uma trilogia que pretende cobrir todos os 22 volumes da manga, seguindo tudo da forma mais fiel possível. Excelente filme, que abre caminho para os próximos dois.

Fasten Your Seatbelts

2009-06-19T00:43:00.000-07:00

Depois de várias desilusões consecutivas de filmes de verão (salvando honerosa excepção a Star Trek) tais como Terminator Salvation (não vamos fazer comentários), Anjos e Demónios (mas porque é que nos auto-convencemos a termos ido ao cinema?); mas eis que nos chega a grande salvação do verão. Apesar de não sabermos se vai estrear em Portugal, nós aqui no palhaço já....!

E se há verdadeiro filme de pipoca para o verão de 2009, sem dúvida alguma ele é Blood The Last Vampire, directamente para a secção "filmes do c****"

Ora tomem tomem lá um cheirinho para sentirem o fôlego da besta (que bonito!). A crítica ao filme virá depois de nós recuperarmos.

Coming Soon

2009-06-19T00:28:00.000-07:00

Agucemo-vos o apetite para outro blockbuster nipónico para o verão de 2009. Recomenda-se sem restrições.

Nova Compilação Womb (2009)

2009-06-09T09:47:00.000-07:00

O Womb é um clube situado na cidade de Tóquio no Japão, sendo considerado um dos mais importantes pontífices na divulgação da música electrónica. A par com outros igualmente importantes, como o Lux em Portugal, o Womb tem vindo a desenvolver uma programação de excelência no que toca a artistas, apostando em residências fixas de nomes importantes como Dj Vibe, Dubfire, Ellen Alien, como também apostando em novos valores ainda desconhecidos de igual qualidade. O senhor responsável pela programação é o audaz Tommy Wada, que acumula funções com o seu reputado programa de rádio.
O Womb é dotado de uma sonoridade característica e é detentor, segundo os artistas que nele actuam, do melhor sound system á face da terra. Digamos que o Womb está para Tóquio como a Sound Factory esteve para Nova Iorque.
A compilação do nosso artista electrónico de serviço para este mês, visa recriar a sonoridade fervorosa do Womb. É só clicar na imagem.

Danger Diabolik (1968)

2009-06-08T12:09:00.000-07:00

Já por aqui falamos enésimas vezes de Danger Diabolik de Mario Bava. Mas então porquê falar de novo? Porque existe um poster original do filme acima exposto, que diga-se de passagem só poderá ser um item raro para custar a módica quantia de 500 dólares no http://www.movieposter.com/. Aqui o palhacinho contentava-se só com uma réplica.

David Carradine (1937-2009)

2009-06-04T09:55:00.000-07:00

O actor David Carradine, actor da série de televisão de artes marciais "Kung Fu" e que tinha voltado à ribalta pelas mãos Quentin Tarantino, que o chamou para o papel de Bill, em "Kill Bill", foi encontrado morto em Banguecoque.
Carradine tinha 72 anos e estava na Tailândia a rodar um novo filme. Segundo a ABC News, o actor foi encontrado morto no seu quarto de hotel.
A cadeia de televisão norte-americana avança também David Carradine deverá ter morrido devido a causas naturais.

in Jornal de Noticias

Vinyan (2008)

2009-06-04T09:11:00.000-07:00

Vinyan é um filme francês, realizado por Fabrice Du Welz e inspirado pelo filme espanhol Quién puede matar a un niño? (1976) de Narciso Ibáñez Serrador.

O filme conta a história de Jeanne e Paul Ballmer um casal que perdeu o filho no desastre do Tsunami de 2004, que assolou, entre outras regiões, a Tailândia. Devastados com a perda, e esperançados num milagre, visto que o corpo da criança nunca viria a aparecer, o casal deixou-se ficar pela região. Um dia, ao ver uma gravação de vídeo de um grupo de mecenas, que pretendia angariar fundos para as vitimas do desastre, Jeanne chama a atenção para Paul, e insiste que uma das crianças que aparece no vídeo é o seu filho. A partir daí, ambos partem, com a ajuda do misterioso Thaksin Gao, em busca do filho pelas misteriosas zonas de Burma.

O que parecia ser uma ideia interessante rapidamente descamba num atroz filme de terror pseudo-intelectual, aproveitando-se apenas a magnífica cinematografia de qualidade superior.O realizador Fabrice Du Welz proporciona belos planos, servidos principalmente pelas paisagens lindíssimas de Burma. Esteticamente, não há nada a apontar, muito pelo contrário, existem algumas cenas que são filmadas de forma muito inteligente e a parte sonora, essa, é perturbante e normalmente bem aplicada. Sendo o corpo de actores extremamente competente nas personagens que interpretam.
Apesar de uma bela cinematografia, de uma excelente estética e de boas interpretações, Vinyan falha redondamente na história que decide contar, ao invés da história que poderia ter contado, ficando uma sensação de promessa, daquilo que o filme poderia ter sido e não é.

Um Cheirinho de Blood (2009)

2009-05-29T10:37:00.000-07:00

Já por aqui falamos de Blood The Last Vampire (2009), adaptação cinematográfica de um muito conceituado Anime, pois bem as expectativas são elevadas, ainda por mais porque apareceu no youtube os primeiros 5 minutos de filme e que verdade seja dita, está tal e qual sem tirar nem pôr extactamente igual ao original de animação.

Brevemente

2009-05-25T10:14:00.000-07:00

Inglorious Bastards (1978)

2009-05-20T08:29:00.000-07:00

Quel maledetto treno blindato de Enzo Castellari estreou nos EUA com o nome The Inglorious Bastards, sendo este o nome e ponto de partida para a nova apropriação de Quentin Tarantino, para o seu filme a estrear este ano, denominado Inglorious Basterds.

Falemos então de Inglorious Bastards de 1978. E por onde começar! O filme de Castellari é daqueles filmes que se inserem na categoria "filmes do c*********" (desculpem o vernáculo, mas tem de ser), é um filme de culto absolutamente delicioso, um série B de referência e conta com práticamente todos os actores do cinema de acção (série B, cá está novamente) da década de 70, tais como Bo Svenson e Fred Williamson.

A história passa-se em 1944, em França, no final da 2ª Guerra Mundial, onde um grupo de prisioneiros é transportado num comboio para uma base militar, onde serão julgados em tribunal militar pelos seus respectivos crimes. Entre eles estão os soldados norte-americanos Tony (Peter Hooten), que é viciado em apostas; Fred Canfield (Fred Williamson), acusado do assassinato de um sujeito racista; Berle (Jackie Basehart), que tem ataques de pânico e ansiedade quando está perante situações de guerra, e o italiano Nick (Michael Pergolani), que vive para roubar e vender as posses dos soldados mortos no conflito. Há última da hora, chega o prisioneiro mais ilustre do comboio: o tenente Robert Yeager (Bo Svenson), acusado de deserção (para visitar a namorada nos Estados Unidos).

No caminho para o dito julgamento, o comboio militar é atacado por um avião nazi. Quase todos os prisioneiros são mortos no interior do camião em que eram transportados, e os que tentam fugir são fuzilados pelos militares que os escoltavam. No fim do confronto, sobrevivem apenas o tenente Yeager e os quatro soldados anteriormente citados, que resolvem unir esforços para chegar à fronteira Suíça – que, na época, era território neutro.

Este é o toque de midas do argumento escrito a 10 mãos por Sandro Continenza, Sergio Grieco, Franco Marotta, Romano Migliorini e Laura Toscano: Os Bastardos não recebem azilo de nenhum dos lados do conflito, sendo caçados pelos nazis e também pelos seus próprios companheiros aliados (por serem prisioneiros de guerra fugitivos).

Inglorious Bastards bate todos os recordes de carnificina e body count que possam imaginar, mantém do inicio ao fim um estilo que só se pode caracterizar como de super cool, percebendo-se porque é que Tarantino se sentiu atraido pela obra, mas é sobretudo um filme de acção eximio para ver e rever vezes sem conta, daqueles para juntar um grupo de amigos e passar um bom par de horas.